Cada álbum de Radiohead, clasificado

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Los adolescentes de Oxfordshire Colin y Jonny Greenwood, Ed O'Brien, Philip Selway y Thom Yorke se hacían llamar On a Friday cuando formaron una banda por primera vez en 1985. Al firmar con EMI a principios de los 90, el quinteto cambió su nombre a pedido del sello, nombrando después del corte profundo de Talking Heads "Radio Head". El grungy himno marginado de 1993 "Creep" sigue siendo su sencillo más reconocible, pero Radiohead posteriormente se estableció como quizás el acto de álbum más venerado de su generación.

En una serie de álbumes cada vez más abstractos e impredecibles con el coproductor Nigel Godrich, Radiohead de alguna manera se convirtió en el favorito de la crítica y tuvo más éxito comercial que nunca, a pesar de que a menudo evitaba las guitarras y los sencillos de radio. Tomando prestadas texturas con fallas y un minimalismo helado de la música electrónica y la instrumentación del jazz y el lado vanguardista del mundo clásico, Radiohead desafió constantemente a su audiencia. Sin embargo, a pesar de todo, la hermosa voz de Yorke y su forma conmovedora, a veces oscuramente divertida, de ver el mundo siguen siendo un hilo conductor en el catálogo de Radiohead.

El sexto álbum de Radiohead Hail to the Thief cumple hoy 20 años. En una entrevista reciente de SPIN, Selway indicó que Radiohead se volverá a reunir en algún momento de este año para "comenzar a buscar ideas para lo que viene después". Con un décimo álbum potencial en proceso, decidimos clasificar los nueve álbumes que la banda ha lanzado hasta ahora.

Con 37 minutos, The King of Limbs es el álbum más corto de Radiohead. Aunque el baile de Yorke en el video "Lotus Flower" generó improbables memes en Internet, los ritmos inquietos del álbum y los arreglos secamente minimalistas finalmente resultaron difíciles de amar incluso para los fanáticos que habían seguido a Radiohead en todas las reinvenciones anteriores. De hecho, cuando los críticos musicales eligieron los mejores álbumes de 2011, Radiohead cedió en gran medida su lugar perenne en la mayoría de las listas de fin de año a actos más nuevos como Bon Iver y St. Vincent. Varias pistas aclamadas que no pertenecen al álbum lanzadas más adelante en 2011, incluidas "The Daily Mail" y "Supercollider", llevaron a casa la sensación de que The King of Limbs probablemente podría haber sido mejor. Aún así, contiene momentos de belleza deslumbrante que no deben descartarse, particularmente la acústica "Give Up the Ghost". "Escúchalo suficientes veces y puedes convencerte de que te encanta. Pero no nos engañemos pensando que está a la altura de su mejor trabajo. Simplemente no lo está", escribió Rebecca Schiller en la reseña de NME.

En 1993, Radiohead era solo otra banda británica amante de los Pixies que tenía un cantante principal increíble y tres guitarristas con suficientes trucos ruidosos bajo la manga para encajar en un panorama de radio alternativo dominado por bandas de grunge estadounidenses. Lo que más mal ha envejecido de Pablo Honey es su título, inspirado en una parodia de una llamada de broma de Jerky Boys, pero la música aquí es un poco mejor de lo que tiende a obtener crédito. La banda ya estaba jugando con firmas de tiempo inusuales en el pseudo-vals tambaleante de "You", mientras que "I Can't" y "Ripcord" presentan el tipo de coros altísimos que la banda dominaría en su próximo álbum, The Bends. . "Creep" tiene un legado complicado dentro del catálogo de Radiohead, pero ha permanecido más o menos en el repertorio en vivo de la banda durante décadas (a diferencia de todas las demás canciones del álbum), y ese estribillo aún suena. "El debut del quinteto inglés realmente no ofrece nada que no hayas escuchado antes, se acerca demasiado a las melodías de Smiths y se esfuerza mucho por estar deprimido en la forma en que The Cure popularizó", escribió Mario Mundoz en Los Angeles Times. .

Para aquellos que extrañan las acrobacias de seis cuerdas y la interacción en vivo de Radiohead de los 90, Hail to the Thief es el álbum del siglo XXI que presenta más al quinteto completo tocando juntos en una habitación. Las cajas de ritmos y el amado instrumento de música electrónica ondes Martenot de Jonny Greenwood hacen apariciones, pero la alegría de hacer ruido con la batería y las guitarras recorre el álbum. Sin embargo, a pesar de algunas canciones innegablemente geniales como "There There" y "Where I End and You Begin", la colección de 14 canciones puede parecer prolija y, en ocasiones, agotadora. Hail to the Thief ha recibido algunas de las críticas más duras de la propia banda, y en 2008 Yorke publicó una lista de canciones resecuenciadas en el sitio web de la banda que incluía cuatro canciones de su visión revisada del álbum. "Se siente más como una banda tocando con una multitud de puntos fuertes que la lucha formal de Kid A", escribió Will Hermes en la reseña del álbum de SPIN.

Radiohead siempre ha sido visto como una entidad artística seria que elabora y secuencia meticulosamente sus álbumes con visión y cuidado. Así que me sorprendió un poco darme cuenta de que la banda simplemente puso las canciones en A Moon Shaped Pool en orden alfabético; aún más sorprendente, en realidad fluye bastante bien. El álbum más reciente de Radiohead, que ya tiene casi siete años, contiene algunos de sus arreglos de cuerdas más ambiciosos hasta la fecha en "The Numbers" y "Glass Eyes", con Greenwood hábilmente aprovechando su experiencia componiendo películas de Paul Thomas Anderson con la London Contemporary Orchestra. Concluye con el primer lanzamiento oficial de estudio de "True Love Waits", una canción legendaria que la banda interpretó en vivo por primera vez en 1995 e intentó grabar muchas veces durante dos décadas, y finalmente se decidió por un arreglo de piano para A Moon Shaped Pool. "A lo largo del álbum, la iluminación cotidiana de Yorke está respaldada por música de expansión y abandono. Las guitarras suenan como pianos, los pianos suenan como guitarras y las mezclas respiran con calma pastoral", escribió Jayson Greene en la reseña de Pitchfork del álbum.

Parte de la mística de la llegada de Kid A en 2000 fue la promesa de un álbum complementario el año siguiente. Muchos especularon que Radiohead había guardado canciones de rock más convencionales para el seguimiento, al menos hasta que la banda comenzó a escuchar material meditativo impulsado por el piano como "You and Whose Army?" y "Canción de la pirámide" en concierto. En última instancia, Amnesiac contenía algunas canciones geniales impulsadas por la guitarra, como "I Might Be Wrong" y "Knives Out", que es, por supuesto, la única canción de Radiohead con una serie de exitosas películas de misterio que llevan su nombre. Pero el álbum es en gran parte tan ascético y elíptico como su predecesor, desde el minimalismo con fallas de "Packt Like Sardines in a Crusdh Tin Box" hasta los efectos de cinta invertida de "Like Spinning Plates". "Amnesiac logra un equilibrio astuto y gratificante entre la experimentación y el control de calidad. No es fácil de digerir, pero tampoco imposible de tragar", escribió Alex Petridis en la reseña del álbum de The Guardian.

Para 2007, la interrupción de la industria de la música de la era Napster estaba en pleno apogeo, las ventas físicas tradicionales estaban en un fuerte declive y iTunes era el rey. Radiohead, que había completado su contrato con EMI y era un agente libre de renombre por primera vez, se negó a firmar un nuevo contrato de sello y decidió hacer un gran gesto. En octubre, una de las bandas más populares del mundo anunció que lanzaría un nuevo álbum en una semana, sin singles ni videos anticipados, a través de su sitio web como una descarga de pago-lo-que-quieres. Después de que el polvo se asentó y el lanzamiento poco ortodoxo sacudió la industria, la música de In Rainbows se convirtió en su verdadero legado. "15 Steps" y "Reckoner" dan tumbos y pop con nuevos y aventureros enfoques del ritmo y la percusión, y la hirviente "Weird Fishes/Arpeggi" ha surgido durante la última década como la pista más popular del siglo XXI de la banda. "Incluso hay momentos de casi romanticismo, una inyección extraña para una banda que ha examinado tan bien la distancia emocional clínica. 'All I Need' usa una vibra de sintetizador de los 80 para explorar el lado terrible del amor, y 'House of Cards' se vuelve casi sexy. ", escribió Josh Modell en la reseña del álbum AV Club.

Realmente tenías que estar allí. De hecho, fue una revelación que la banda que hizo "Creep" fuera capaz de abrir un álbum con una canción como "Planet Telex", sus susurros atmosféricos marcaban el comienzo de un bucle de batería y un piano procesado. Desde el arrogante "Just" hasta el inquietante "Street Spirit (Fade Out)", The Bends es el pico influyente de Radiohead como banda de guitarras. Puede que no sea la razón por la que Radiohead puede llenar arenas hoy, pero probablemente sea, más indirectamente, la razón por la que Coldplay y Muse pueden hacerlo. La estética de Radiohead tal como la conocemos realmente comienza a tomar forma en The Bends, el primer álbum que presenta contribuciones del diseñador de portadas Stanley Donwood y el productor Nigel Godrich. El álbum solidificó la posición comercial de la banda en el Reino Unido, pero en Estados Unidos, The Bends fue un éxito inesperado que inicialmente fue descartado por la mayoría de los críticos impresos. "La música exagerada y pomposa de Radiohead los hace sonar como la respuesta del rock alternativo al Moody Blues", escribió Kevin McKeough en el Chicago Tribune.

En retrospectiva, es curioso lo poco que Radiohead realmente tuvo que apartarse del statu quo del rock alternativo para emocionar y escandalizar a una generación de oyentes de música. Los cuernos que se sueltan sobre una línea de bajo retumbante en "The National Anthem", el fascinante riff de piano eléctrico de 5/4 en "Everything in Its Right Place" y el ritmo de baile propulsor en "Idioteque" ofrecen ganchos y riffs fuertes y tangibles. Pero la banda de rock más venerada del mundo que lanzó un álbum sin guitarras reconocibles hasta su cuarta canción fue tratada como una provocación que repelió tanto como atrajo. Incluso Selway, esperando hasta la mitad de "Optimistic" para tocar una caja, se siente como un momento de moderación cuidadosamente calibrada. La confianza con la que Radiohead y Godrich se apoyaron en esas opciones, creando dulces auditivos minuciosamente detallados que revelan nuevas texturas con cada escucha, hizo de Kid A un álbum de eventos convincente y carismático incluso cuando se alejaba del espíritu de la época pop. "Gran parte de Kid A no suena como Radiohead en absoluto. Las canciones flotan en el pulso más débil de los latidos del corazón, los ruidos intergalácticos se deslizan como cometas a través de las melodías. Los teclados eclesiásticos empujan suavemente las canciones", escribió David Browne en la reseña de Entertainment Weekly. .

A mediados de los 90, el rock alternativo se había convertido en música pop, y Radiohead pasó un tramo de 1995 y 1996 en dos de las giras más grandes de la era, abriendo para REM en apoyo de Monster y Alanis Morissette en apoyo de Jagged Little Pill. Luego, la banda se fue a casa y grabó un álbum desafiante y ambicioso que seguramente no se vendería tan bien como The Bends, dejando de lado algunas canciones accesibles como "Lift" y "True Love Waits" a favor de material multifacético como el disco de seis minutos. sencillo principal "Paranoid Android". En cambio, OK Computer fue un éxito mundial y se convirtió en uno de los álbumes más aclamados de la década, capturando toda la belleza de la voz de Yorke con arreglos sorprendentemente impredecibles y texturas espeluznantes que no sonaban como si hubieran sido conjuradas de guitarras y teclados. Los robots, los extraterrestres y la policía karma distópica que pueblan las canciones llevaron a muchos críticos a colocar a Radiohead en el panteón de los reyes de los álbumes conceptuales británicos como Pink Floyd y David Bowie. OK Computer, sin embargo, no es tanto una ópera rock como un tablero de humor del tipo de nuevas sensaciones y emociones familiares que darían forma a la composición de canciones de rock en la era digital que se avecina. "OK Computer es un acto de cuerda floja sin red. No hay un sencillo obvio, las letras no tienen sentido inmediato, la mayoría de las pistas son demasiado lentas, distorsionadas o extrañas para la radio, y todo suena como nada. eso vende. Sin embargo, la audaz expansión sónica de este quinteto del Reino Unido es el esfuerzo extraño más atractivo de una banda de rock en mucho tiempo", escribió Barry Walters en la reseña de SPIN.

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