David Bowie: Aventura brillante (1992)

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Esta caja recopilatoria del trabajo de Bowie en la década de 1990, un período en el que reafirmó su papel como el padrino de la música alternativa, alberga el álbum perdido Toy y defiende una era de experimentos audaz y divisiva.

Brilliant Adventure (1992-2001), la última edición de la serie continua de box sets de David Bowie que abarca cada era de su carrera, es un documento definitorio para los fanáticos de cierta franja. Prevalece el consenso para las décadas anteriores: la década de 1970 fue brillante, la década de 1980 inicialmente brillante, luego vulgar. Por el contrario, los años 90 continúan siendo un tema candente, que divide a los fanáticos en cuanto a si Bowie estaba haciendo un nuevo trabajo vital al comprometerse con las tendencias predominantes o simplemente firmando con ellos con la esperanza de que su éxito se contagiara. Con cada álbum que recopila dando un giro audaz a la izquierda del sonido de su predecesor inmediato, Brilliant Adventure presenta un caso indiscutible para el punto de vista anterior: este Bowie asumió muchos riesgos, y esos riesgos valieron la pena en gran medida.

La pieza central de la caja de 18xLP y su atractivo comercial es Toy. Toy, uno de los álbumes perdidos proverbiales de Bowie, se grabó originalmente en 2000 con miembros de su banda de gira tocando nuevas versiones rápidas y sueltas de algunas de las primeras canciones de Bowie, en su mayoría anteriores a su estrellato posterior a "Space Oddity". Habla tanto de la inquietud de Bowie como artista como de su voluntad de arriesgarse a pasar vergüenza al servicio de esa inquietud de volver a visitar su juventud, y mucho menos hacer un disco completo del proyecto.

Posteriormente, el álbum se perdió en la programación aleatoria del entonces sello EMI / Virgin de Bowie, antes de ser archivado por completo. En lugar de obsesionarse con la cancelación, Bowie pasó a un trabajo completamente nuevo y Toy quedó relegado a ser una leyenda de los fans. Las canciones de las sesiones se filtraron como caras B, exclusivas digitales y, en 2011, una filtración completa; Brilliant Adventure, y el próximo set Toy:Box, es la primera vez que este material está disponible oficialmente como un álbum completo.

El registro resultante es una bolsa mixta. Bowie y su banda encajan bien: "Es el sonido de la gente feliz de tocar música", como dice el coproductor Mark Plati. Pero estos profesionales experimentados a menudo fallan en el material, perdiendo el encanto destartalado de los originales, convirtiendo el sonido proto-reggae de Swinging London de "I Dig Everything" en un rockero acicalado, o suavizando los bordes ásperos de la píldora sexual. reventando temas mod como "You've Got a Habit of Leaving" y "Baby Loves That Way". En muchos casos, las versiones originales suenan más vanguardistas que los remakes, a pesar de las décadas intermedias de Bowie en las trincheras del art-rock.

La pista más fuerte del set es "Shadow Man", grabada por primera vez como una demostración de las sesiones de Ziggy Stardust. En esta versión, el rico canturreo de Bowie está acompañado por una sección de cuerdas y el piano de Mike Garson, convirtiendo la canción en una encantadora meditación lírica sobre nuestro yo secreto; se beneficia de la sabiduría que Bowie acumuló con la edad. En otra parte, los coros entusiastas se combinan con la sección de cuerdas para darle a "Silly Boy Blue" un magnífico final, mientras que "Toy (Your Turn to Drive)", la única canción recién escrita para la colección, extrae la belleza y el patetismo del piano de lluvia de Garson y un dichoso, sin palabras, gancho de dos notas. Incluso si Toy sirvió principalmente como modelo para el rock neoclásico de los álbumes posteriores de Bowie, Heathen de 2002 y Reality de 2003, estos aspectos destacados hacen que valga la pena.

Los álbumes de la década de 1990 reeditados aquí, sin embargo, cuentan mejor la historia. Después de un período en el desierto de la música pop, esta es la década durante la cual Bowie reafirmó su papel como el padrino de la música alternativa, en prácticamente cualquier forma que tome. (El eslabón perdido entre esta caja y su equivalente de la década de 1980, Loving the Alien, son los dos discos que grabó con su banda de rock injustamente vilipendiada Tin Machine; solo diré "Justice for 'You Belong in Rock n' Roll'" y me iré en ese momento.) Las acusaciones de que Bowie estaba cambiando de tendencia persiguieron en ese momento, por razones que ahora se sienten cada vez más tontas: ¿quién no querría escucharlo intentar lo industrial o la jungla? Este es el tipo de obra de género que pagó dividendos con su canto del cisne con inflexiones de avant-jazz Blackstar, dos décadas después.

El coqueteo de Bowie con los sonidos electrónicos y de baile de la era comenzó con Black Tie White Noise de 1993, una reunión no solo con el productor de Let's Dance Nile Rodgers (que se sintió bloqueado por la negativa de Bowie a grabar éxitos), sino también con sus compañeros de banda de la era glam, el guitarrista Mick Ronson y el pianista Mike Garson, el último de los cuales continuó trabajando con Bowie durante años. (Lamentablemente, Ronson murió poco después de grabar la versión dance-beat un tanto anémica de "I Feel Free" de Cream, y el potencial perdido de su reunión es uno de los grandes "qué pasaría si" de la carrera de Bowie).

Incluso cuando trabaja con antiguos colaboradores, Bowie se resiste a caer en viejos hábitos. En Black Tie, reflexiona sobre su felicidad de recién casado con Iman, el instrumental de apertura "The Wedding" y su seguimiento lírico "The Wedding Song", y el estado de las relaciones raciales en Estados Unidos: una versión con influencias del evangelio del pastiche Ziggy de Morrissey. "I Know It's Going to Happen Someday", o el dúo maníaco de la canción principal con el vocalista de New Jack Swing, Al B. ¡Claro!. Una línea de bajo copiada de "Cavern" de Liquid Liquid, o tal vez de "White Lines" de Grandmaster Melle Mel, impulsa tanto las canciones de "Wedding" como la versión vertiginosa de "Nite Flights" de los Walker Brothers, la última de las cuales es una buena razón como cualquiera para profundizar en este registro.

Las cosas empiezan a ponerse interesantes con The Buddha of Suburbia de 1993. El álbum más pasado por alto en la obra de Bowie, comenzó su vida como banda sonora de la adaptación cinematográfica de BBC2 de la novela del mismo nombre de Hanif Kureishi. Bowie tomó este mandato y siguió con él (finalmente, solo la canción principal llegó a la película), trabajando con el colaborador multiinstrumentista de mucho tiempo Erdal Kızılçay en un conjunto de canciones fascinantemente poco convencionales: el cuasi-industrial "Bleed Like a Craze, Dad" con su referencia de juego de palabras a los mafiosos ingleses los Krays; la hermosa pieza ambiental "The Mysteries"; la dolorosamente romántica "Strangers When We Meet" (regrabada para el lanzamiento posterior de Bowie 1. Outside) con su hermoso juego de palabras "heel head over"; la conducción, agridulce "Dead Against It". Sus instrumentales y experimentos sirven como un puente sónico de regreso al Bowie de Low y "Heroes", al mismo tiempo que señalan el camino hacia los álbumes por venir.

La imagen de Bowie de mediados a finales de los 90 como un generador de ruido de "música alternativa" realmente floreció con 1. Outside de 1995. Una reunión con el colaborador de la Trilogía de Berlín, Brian Eno, también es el disco que realizó de gira junto a Nine Inch Nails de la era de The Downward Spiral, poniendo a Bowie en el radar de cualquier niño de los 90 vestido de negro, y comparte la habilidad simultánea de Trent Reznor para la melodía y el caos. . Entre pistas de palabras habladas que desarrollan un misterio de asesinato Twin-Peaks-meets-Damien-Hirst en el mundo del arte, este álbum conceptual presenta maravillas melódicas como "The Motel" y "Thru' These Architects Eyes", así como pulsante éxitos como "Hallo Spaceboy", un elemento en vivo en los años venideros, y la banda sonora de Lost Highway destaca "I'm Deranged". 1. La presunción del álbum conceptual de Outside tiene sus detractores, particularmente porque la segunda y tercera entregas propuestas de una nueva "trilogía" de Eno que habría completado la historia nunca dieron resultado. Además, la Trilogía de Berlín de Low, "Heroes" y Lodger es un acto casi imposible de seguir. Pero es el sonido de Bowie en su momento más hambriento, ansioso por mostrarles a los niños cómo se hace.

Las tendencias de buitre cultural de Bowie y su capacidad para crear retratos duraderos de una época y un lugar alcanzan su apoteosis de los 90 en Earthling de 1997. Con ritmos de jungla completos en varias pistas, también es un escaparate para Reeves Gabrels, el más antiguo de los guitarristas principales de Bowie, cuyas borrascas y solos altísimos le dieron al álbum una energía anárquica que coincidía con el regreso del cabello naranja fuego de Bowie y su andrajoso abrigo Alexander McQueen Union Jack. En pocas palabras, este es un disco de éxitos casi de pared a pared, desde los aspectos más destacados de batería y bajo "Little Wonder" y "Battle for Britain (The Letter)" hasta la palpitante "Dead Man Walking" (un saludo a Neil Young y Crazy Horse, de todas las cosas) y "Lo último que deberías hacer".

Irónicamente, el reclamo de la fama de la cultura pop en los Estados Unidos es una versión de la canción "I'm Afraid of Americans" regrabada por Nine Inch Nails que ni siquiera está presente en el álbum propiamente dicho. Independientemente, Earthling es en gran medida los Young Americans o Let's Dance de su época, una poderosa colección de sonidos de club contemporáneos rehechos a la imagen de Bowie. Se merece un lugar en el panteón junto a sus predecesores.

Entonces, de repente, Bowie pisó el freno. Apagó los experimentos y bajó el volumen en 'horas...', su esfuerzo extremadamente suave —¿gentil?— de 1999. Aunque Gabrels compartió un crédito de escritura en cada canción, es fácilmente el lanzamiento más suave de Bowie de la década, una ruptura con el pasado reciente marcado por un Bowie sombrío y de cabello largo acunando su anterior encarnación de cabello puntiagudo al estilo Pietà en la portada. La pista principal, "Thursday's Child", es un punto culminante melódico, y el cierre "The Dreamers" es una meditación a todo pulmón sobre el envejecimiento que presenta a Bowie en su momento más estridente, pero gran parte del intermedio: el monótono "What's Really Happening" y su golpe irreflexivo de la línea vocal de "You Keep Me Hangin' On", la espantosa canción de rock "The Pretty Things Are Going to Hell" y su devolución de llamada titular a la muy superior "Oh! You Pretty Things" y la producción de Bowie de Iggy y la matanza de los Stooges, "Your Pretty Face Is Going to Hell", figura entre los trabajos más débiles de Bowie.

Brilliant Adventure se completa con un par de colecciones en expansión. Re:Call 5 es una compilación de tres discos de contribuciones de bandas sonoras, caras B, ediciones de sencillos y remixes, con muchas ediciones de radio superficiales y remixes ligeros o nuevas pistas de interés, el remix distintivo de Pet Shop Boys de "Hallo Spaceboy". exceptuado (En serio, ¿dónde están las versiones Ice Cube y Photek de "I'm Afraid of Americans"?) El superior BBC Radio Theatre, Londres, 27 de junio de 2000 es una retrospectiva de la carrera de doble disco de la misma banda que tocó con Bowie un unos días antes en Glastonbury y que trabajaría con él en Toy; el entorno íntimo funciona mucho mejor para los músicos de sesión profesionales que la expansión del festival, a pesar de las decenas de miles de fanáticos.

¿Podría haber surgido el Bowie que complació a la multitud y que tomó por sorpresa el escenario de Glasto sin acumular primero su catálogo itinerante de los años 90? Yo diría que la respuesta es no. Por un lado, hay toda una generación, incluido yo mismo, que compró sus primeros discos de Bowie en este período, específicamente debido a su compromiso con las escenas de música electrónica underground de la época; sin duda éramos bastantes entre el público del festival. Pero lo que es más importante, Bowie se sintió más cómodo en su propia piel al, una vez más, probándose la piel de los demás. Así es como puso en la cama su período de estrella del pop de los 80, uno que lamentó en gran medida, renovando su confianza y permitiéndole interpretar tanto material nuevo como antiguo con renovado vigor y arrogancia. Como siempre hizo en su mejor momento, el Bowie de Brilliant Adventure siguió su dicha, dondequiera que lo llevara.

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