Arte que vimos este invierno

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De nuestros críticos, reseñas de exposiciones en galerías cerradas en la ciudad de Nueva York.

Por The New York Times

chelsea

Hasta el 18 de febrero. Marianne Boesky, 507 West 24th Street, Manhattan; 212-680-9889, marianneboeskygallery.com.

Desde la década de 1970 hasta su muerte en 2022, Jennifer Bartlett fusionó los tics expresivos de la pintura con las rígidas cuadrículas del Arte Conceptual. Ya sea colocando manchas de pintura entre las líneas o barriendo el color sobre ellas, la cuadrícula confina y energiza temas simples como montañas o árboles, e intensifica los estudios elementales de forma y color. La enciclopédica y errante "Rhapsody" de Bartlett, de 1976, cubre cientos de paneles esmaltados cuadrados impresos con cuadrículas de un cuarto de pulgada.

Esta muestra presenta 77 de los primeros y oscuros dibujos en serie de la artista en papel cuadriculado realizados entre 1970 y 1973. Revelan los fundamentos sistémicos de su obra más pulida. En una agrupación, experimenta con formas iterativas de llenar los cuadrados o sombrear un área determinada con rayas y puntos. Otra serie prismática dispone pequeñas muestras de lápiz de color sobre campos de pintura plateada metalizada. Puedes sentir la inquietud de Bartlett en la forma en que colorea fuera de las líneas y permite que los errores se acerquen.

Una tercera serie a la vista explora su motivo favorito, la icónica casa: una caja con un triángulo en la parte superior, con ventana y puerta insertadas. El cielo es azul y el césped es verde. La progresión de los dibujos de casas comienza simplemente, conectando las formas de los componentes diligentemente en la cuadrícula. Luego, en varios dibujos, Bartlett comienza a etiquetar las partes a mano, a veces en formas que contradicen el programa: la palabra "cielo" en un triángulo verde. La maraña de lenguaje en la parte superior de una página se desvanece en un degradado escaso. Al ritmo del desarrollo del plan llega el placer de la restricción. TRAVIS DIEHL

tribeca

Hasta el 11 de febrero. Theta. Calle Franklin 184, Manhattan; 917-262-0037, theta.nyc.

Las enigmáticas barras, discos y cartas de acrílico que se exhiben aquí no son arte, estrictamente hablando. Promocionados como "instrumentos curativos" por el Gentle Wind Project, que adopta una vaga espiritualidad de la Nueva Era y es quizás un culto, estos espeluznantes artilugios se inspiran generosamente en la medicina china y la cromoterapia. Eufóricamente vibrantes con un estilo gráfico hipnótico, llevan la teoría del color a su extremo inverosímil, como un ejercicio de Josef Albers sobre la psilocibina.

Sus promesas, prescritas en sus nombres: "Trauma Card 2 + Combat Fatigue Ver 17.0" (2006); "Soft Sleep Ver 8.2" (2008): únalos a la serie de curas homeopáticas destinadas a dolencias psíquicas. Estas son versiones extravagantes: un mejor juicio sugiere que comunicarse con una espiral laminada de Fibonacci Day-Glo no realineará el campo electromagnético de su cuerpo, pero no tan diferentes de las cosas comercializadas bajo la industria del "bienestar" de $ 450 mil millones. La encarnación actual de la organización, después de una investigación de fraude, como I Ching Systems and Artworks, invita a la contemplación como una práctica estética, incluso cuando su intención es menos una aspiración al mundo del arte que eludir el escrutinio de la FDA.

Estamos inundados de malos actores, oportunistas que explotarían nuestro sufrimiento para obtener ganancias. Un estafador llega a la ciudad y otro compra los derechos de la película. Pero la exposición, organizada por Nick Irvin, se resiste a entregarse a la sordidez o a emitir un juicio de valor, una pose que puede sentirse admirablemente sincera o frustrantemente oblicua. Se convierte en su propio estudio en obsesión (libros de los verdaderos creyentes de Gentle Wind que están disponibles para referencia, completos con los extensos marginales de Irvin), un intento de dar sentido a la fe, que por supuesto no se puede explicar, o tal vez restaurar. MAX LAKÍN

NoHo

Hasta el 21 de enero. dieFirma, 32A Cooper Square, Manhattan; 347-699-1440; diefirmanyc.com.

Érase una vez, los pisos de linóleo evocaron la brillante promesa del siglo moderno: vibrantes y nuevos, una maravilla de la ciencia y la comodidad. A mediados de siglo, era de rigor en las cocinas estadounidenses, sinónimo de la percepción que el país tenía de sí mismo en la posguerra: resistente, resistente, que nunca se desvanecería. El brillo, como gran parte del resto del sueño americano que se demostró que se mantiene unido por el asbesto, se ha desgastado desde entonces; Los estadounidenses levantaron sus pisos de linóleo y los arrojaron al basurero de la historia decorativa.

El artista Bill Miller resucita ese pasado y los fantasmas que lo acompañan, empalmando láminas de linóleo encontradas en densos y casi alucinantes collages que representan los paisajes y los modestos interiores domésticos de las ciudades posindustriales que ha conocido. Miller no manipula los acabados, confiando en los colores hechos en fábrica y, a menudo, en los patrones agresivos de su paleta, una restricción autoimpuesta que se convierte en una libertad expansiva. Demuestra ser un medio notablemente versátil y conmovedor. Miller recupera gran parte de su material de casas abandonadas en Pittsburgh y sus alrededores, donde vive, y cuya industria siderúrgica colapsada permite y matiza el trabajo aquí.

El interés conceptual podría volverse obsoleto rápidamente, pero las opciones de Miller evitan los trucos. Su dedicación a su material se lee como devoción y empatía, retratando las vidas de sus sujetos de cuello azul a través de las mismas cosas con las que fueron equipados. Sus cuadros tienen una cualidad embrujada; las marcas de desgaste permanecen visibles, las huellas de la vida anterior del linóleo aún están presentes, descoloridas pero no olvidadas. MAX LAKÍN

Plancha

Hasta el 21 de enero. Piso 8, 17 West 17th Street, Manhattan; 646-839-5908, the8thfloor.org.

Puede que el arte de la performance no sea tan radical como lo fue en la década de 1970, pero la exposición "El Corazón Aúlla" reafirma el potente vehículo que es para la expresión subversiva. Curada por Alexis Heller y Tatiana Muñoz-Brenes, la muestra presenta a 14 artistas latinoamericanas y no binarias llamando la atención sobre una crisis de violencia de género: según el Observatorio de Igualdad de Género de América Latina y el Caribe, al menos 12 mujeres por día fueron víctimas de feminicidio en la región en 2021. Los artistas adoptan diferentes enfoques, actuando en público y en privado, solos o con otros, pero están unidos por su inquebrantable vulnerabilidad. Ellos pusieron sus cuerpos en la línea.

Esto incluye a Denise E. Reyes Amaya tendida cubierta de bolsas de basura en la cuneta de una calle de San Salvador en el video "Bolsas de colores para la basura" (2014); es igualmente angustioso ver a los transeúntes ignorarla y los policías la golpean. En el video "Las nadies" (2011), la artista mexicana Nayla Altamirano camina meditativa por la frontera, recogiendo y poniéndose sostenes dejados en el desierto por los coyotes que agredían sexualmente a las mujeres que traficaban a Estados Unidos.

Algunas artistas extienden su vulnerabilidad hacia el exterior, como Elina Chauvet, quien en "Mi cabello por tu nombre" (2014), se cortó los mechones y los ató con cintas con los nombres de las mujeres asesinadas. Aquí, junto a esos candados colgantes y fotografías de performance, el artista mexicano ha instalado una estación donde se invita a los visitantes a hacer lo mismo, empujándonos a considerar lo que podríamos estar dispuestos a arriesgar o sacrificar. JILLIAN STEINHAUER

La parte baja al este

Hasta el 21 de enero. Shoot the Lobster, 138 Eldridge Street, Manhattan; 212-560-0670, shootthelobster.com.

El título de esta exposición colectiva, que incluye obras de 22 artistas que representan, de forma más o menos abstracta, a mujeres, hace un guiño a "Nuevas imágenes del hombre", el éxito de taquilla del MoMA de 1959 curado por Peter Selz. Esa exposición recopiló las formas retorcidas del retrato modernista de artistas como Giacometti y Francis Bacon bajo la bandera de la era nuclear. Gran parte de esa brutalidad persiste en esta revisión curada por el artista Candy Cane.

Estas "nuevas imágenes de mujeres" son tensas, tensas, entrelazadas con insinuaciones de sexo y violencia. El retrato más grande, una fotografía de la serie "Nollywood" de Pieter Hugo, retrata a una mujer negra que sostiene el tosco mango de un bolo machete que parece atravesar su esternón desnudo. Ella mira por la lente mientras la sangre del escenario empapa la manta en su cintura. Un riff azul real de "Raggedy Ann" de tres pies de altura de Jason Yates se sienta como si estuviera boquiabierto ante la sangre. Otras fotos muestran ataduras, juegos con cuerdas, los tropos de la explotación sexual y la sordidez independiente. Sin embargo, esto no es obsceno por obsceno: estas imágenes crudas confrontan la idea de que la palabra "hombre" podría nombrar a toda la familia humana feliz. Esa felicidad también está cargada. En una foto de la cabeza de 2021 de Bill Taylor, una mujer con un rapado canoso y tatuajes faciales descansa en una cama de hospital, posiblemente dormida; para "In My Garden" (1987), Cindy Sherman se viste como un trabajador petrolero salpicado de lodo, sostiene una serpiente muerta como un símbolo. Nuestros traumas sociales han evolucionado, nuestros límites de la normalidad se han desdibujado, pero el espectáculo de Selz, o al menos su título, sigue siendo un gusano auditivo histórico-artístico. TRAVIS DIEHL

tribeca

Hasta el 14 de enero. Broadway, 375 Broadway, Manhattan. (212) 226-4001; broadwaygallery.nyc.

Para su primer espectáculo en Broadway en 2020, Meg Lipke hizo una serie de esculturas de lienzo suave a la Claes Oldenburg. Rellenos como almohadas pero con forma, en su mayor parte, de cuadrados vacíos o cuadrículas sueltas, y decorados con patrones brillantes y estrafalarios, eran esencialmente esculturas de pinturas.

Su nuevo espectáculo, "Ingredientes que puedes ver y pronunciar", comprende nueve pinturas reales sobre lino estirado, su única idiosincrasia es una sola esquina redondeada en cada una. Pero sus abarrotados arreglos de protuberancias, bucles y puntos se parecen tanto a los collages que es posible que tenga que mirar dos veces para ver si sus superficies son completamente planas.

El comunicado publicitario de la muestra menciona el arte rupestre, y es cierto que hay algo arenoso y antiguo en la paleta de colores de Lipke, a pesar de su melocotón, naranja, amarillo y fucsia; incluso hay una línea de pequeños cuadrúpedos marrones en una pieza llamada "Lascaux". Pero lo que realmente me hizo retroceder en el tiempo fueron las rayas, líneas y guiones más o menos paralelos que me recordaron a un artista prehistórico que arrastraba las yemas de los dedos a través del ocre rojo en la pared de una cueva. Estas rayas alcanzan su punto máximo en "Old Sarum", una pintura casi en blanco y negro en la que los patrones de cebra, las líneas de lápiz, los apóstrofes y los garabatos que aluden a los dibujos de Paul Klee se combinan en una superficie que es a la vez compleja y simple. HEINRICH

barrio chino

Hasta el 8 de enero. Lubov, 5 East Broadway, cuarto piso, Manhattan; 347-496-5833, lubov.nyc.

Los artistas neoyorquinos Covey Gong y Eli Ping protagonizan un diálogo de camaradería en un espectáculo centrado principalmente en la escultura. En las siete obras de la exposición, todas de 2022, con dos de Ping y cinco de Gong, ambos artistas logran un equilibrio justo mientras juegan con la delicadeza de la pesadez y usan la simplicidad sin quisquillosidad. Los detalles escultóricos animan incluso las obras que a primera vista parecen pinturas, como en el díptico sin título de Gong, donde la organza de poliéster finamente tejida hace las veces de lienzo de pintor, revelando las barras de aluminio debajo. Los lunares del tamaño de un plato marcan este material, que recuerda a las pantimedias transparentes, retocado con acrílico negro o gris oscuro en un patrón vagamente regular, con volutas humeantes de aerosol que escapan de los confines de los círculos. El efecto: minimalismo con brío y alma.

El díptico de Gong se enfrenta a "Moult" de Ping, una representación de hierro fundido de una forma simple que parece una toalla, o incluso el lienzo sin estirar reutilizado de un pintor, retorcido y congelado en una forma ascendente y circular que sugiere una antorcha o la llama de una vela. Mis obras favoritas aquí son dos construcciones en forma de caja de Gong que usan la misma organza rociada en un marco de alambre delgado de bronce y estaño. Colgados en la pared, tienen aproximadamente el tamaño de un libro de tapa dura e incorporan corchetes como los que se pueden encontrar en un corsé o una blusa, uno detallado en tela blanca y el otro en negro. Los hilos de algodón se agrupan en la parte superior e inferior, recordando los sutiles dibujos escultóricos de Richard Tuttle hechos con alambre y sombra. JUAN VINCLER

tribeca

Hasta el 7 de enero en 52 Walker, 52 Walker Street, Manhattan; (212) 727-1961, 52walker.com.

Nosotros, como especie, estamos impresionados por las cosas grandes: animales grandes, edificios superaltos, comida de gran tamaño. En el arte, sin embargo, más grande no siempre es mejor. Tome el lote actual de esculturas de Tau Lewis en su debut en solitario, "Vox Populi, Vox Dei", en 52 Walker.

El artista nacido en Canadá y con sede en Brooklyn irrumpió en la escena artística norteamericana hace media década, un veinteañero enormemente talentoso que improvisó esculturas y tapices arenosos, casi embrujados, con materiales rescatados. Luego fue descubierta: aprovechada por importantes curadores y reclutada por grandes galerías, culminando con su participación en la actual Bienal de Venecia.

"Vox Populi, Vox Dei" sigue los pasos de esa embriagadora experiencia y encuentra a Lewis con pocas ideas. Seis cabezas gigantes con títulos grandilocuentes como "Mater Dei" (todas las obras son de 2022) y "Trident" evocan máscaras y monstruos feroces, deidades y figuras de poder de una panoplia de culturas. Los materiales aquí incluyen cuero reutilizado, piel, seda, cuero sin curtir, conchas y piel de serpiente. Las obras son impresionantes, es decir, grandes, pero bastante básicas. (Siempre pienso, en estos casos de "gigantismo", en lo que Roberta Smith escribió una vez sobre las esculturas gigantes de Zhang Huan: "El tema principal aquí es la escala misma; altura, volumen y cantidad, así como las horas de trabajo humano").

Mucha tinta se ha derramado sobre el mundo del arte devorando a sus jóvenes. Por un lado, es una suerte que Lewis haya tenido éxito. Por otro lado, es agridulce: las ideas y composiciones salvajes que Lewis creó cuando era relativamente desconocida, elaborando objetos curiosos en su estudio, eran mejores. MARTA SCHWENDENER

Hasta el 7 de enero. Lehmann Maupin, 501 W 24th Street, Manhattan, 212-255-2923 lehmannmaupin.com.

En la década de 1990, el escritor, pintor y músico inglés Billy Childish y su banda, Thee Headcoats, actuaron en la costa oeste. Estos viajes cambiaron su vida: conoció y se casó con su esposa en la zona, y ahora, en su nuevo programa, "Guías espirituales y otros guardianes que se unen al cielo y la tierra", en Lehmann Maupin, ha regresado al noroeste del Pacífico.

Se trata de 11 pinturas con colores apagados pero expresivos, a la manera de Edvard Munch, quien fue una gran influencia en Childish. Sus pinceladas se tambalean como un grito silencioso en un bosque recién descubierto. Trabajando sobre lino, dibujando primero con carboncillo antes de colorear con óleos, evoca una intensa relación con la naturaleza que es palpable. Incluso cuando aparecen figuras humanas, generalmente solas, el peso de su entorno parece estar comprimiéndolas.

Montañas, bosques, árboles solitarios, ríos y sus afluentes se convierten en sitios de lo que quizás sean incursiones en su propio subconsciente, de períodos de su vida que le gustaría revivir. Dos pinturas, "La montaña que es Dios" y "Moonrise Mount Tahoma", muestran la misma escena: un hombre parado en un bote, con el sombrero en una mano y el remo en la otra, con la montaña al fondo, el río debajo de él corriendo con grietas verdes como una roca misma. Si Childish comparte lo que recuerda de su tiempo con el paisaje de la costa oeste, las imágenes resultantes son majestuosas y pacíficas, un testimonio de la riqueza de sus recuerdos y de la memoria humana misma. YINKA ELUJOBA

chelsea

Hasta el 7 de enero. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan. 212-242-7727; cheimread.com.

El marchante de arte Jay Gorney ha creado una pequeña muestra grupal estimulante en torno a la obra del pintor estadounidense siempre pasado por alto Kimber Smith (1922-1981), combinando cuatro de sus obras con las de siete artistas vivos. Tal vez finalmente asegure una visibilidad permanente para su arte.

Smith trabajó con un aire de improvisación optimista e irreverente, mezclando estilos y técnicas, como en la brillante y ligeramente demoníaca "K's Mandolin" (1970), que combina bordes duros y suaves con insinuaciones de grafiti, o llevando la pintura a extremos incompletos. como "13 de junio (Gabrielle)" de 1979, que evoca el dibujo infantil. Smith está vinculado al expresionismo abstracto o pintura de campo de color de segunda generación. Pero parece más un disruptor de ambos estilos, parte de un proceso continuo de contaminación de la pintura abstracta por la vida real que ha estado en marcha al menos desde los primeros modernistas como Miró.

Todos los artistas aquí persiguen la contaminación. Joanne Greenbaum construye densas redes de líneas coloridas que deberían aparecer en los dibujos animados pero nunca lo hacen. Joe Fyfe combina su pintura de repuesto con una segunda pieza de lienzo y lo que parece ser un trozo de un letrero de vinilo. Eric N. Mack reduce la pintura a finos velos de color extendidos en el espacio real. Marina Adams se queda en el lienzo pero también estira sus formas, distorsionándolas como textiles. Matt Connors en realidad hace de un tejido estampado el tema medio oculto de su esfuerzo especialmente parecido a Kimber. Las pinturas contemporáneas, incluidas las del eminente Peter Shear y Monique Mouton, hacen que Smith parezca muy de nuestro tiempo y, por lo tanto, adelantado al suyo. ROBERTA SMITH

chelsea

Hasta el 7 de enero. Un abrazo del mundo del arte, 515 West 19th Street, Manhattan. ahugfromtheheartworld.com.

Beryl Cook es fantásticamente popular en su Gran Bretaña natal, donde sus figuras flotantes y escenas cálidamente mullidas salpican sellos postales y paños de cocina, pero en su mayoría es desconocida aquí. Esta exposición decidida tiene como objetivo rectificar el descuido, reuniendo 40 pinturas, dibujos y objetos efímeros de la producción de cinco décadas de Cook, desde su primer esfuerzo, alrededor de 1960, hasta el último en 2008, el año en que murió.

Una corista en tiempos de guerra que a los 40 comenzó a pintar sin entrenamiento formal, Cook representó a los británicos cotidianos en un esplendor plano y voluminoso: jubilados rollizos en cascada y prostitutas carnosas, un Boterismo para el set de Blackpool. Sus escandalosos cuadros de grasientas tiendas de pescado y papas fritas y vacaciones junto al mar destilaban una cepa particular de la sensibilidad de la clase británica, a partes iguales despectiva y obscena, el aflojamiento despreocupado del labio superior rígido, o lo que ella llamó "la gente común divirtiéndose". "

Grosero pero apenas tímido de lascivo (Jackie Collins era un fan), el ingenio avinagrado de Cook se traduce naturalmente en Nueva York. Varias pinturas se refieren a sus viajes aquí, donde observó a las multitudes como un de Tocqueville obsceno en Estados Unidos: "Bar & Barbara" (1982), matronas zaftig con pieles hinchadas pisando fuerte en el Hotel Algonquin, es tan compactamente atractiva como cualquier James Thurber.

En su descripción de la bulliciosa vida nocturna, el trabajo de Cook canaliza una versión más alegre de la rareza social de Edward Burra o las caricaturas de berlineses de George Grosz. Sus temas eran adultos pero carecían de ansiedad y dolor, que los críticos descartaron como poco serios, un pan que pierde el punto. Cook estaba interesado en el placer, pintándolo hasta el punto del desafío. MAX LAKÍN

tribeca

Hasta el 17 de diciembre. Arsenal Contemporary, 21 Cortlandt Alley, Manhattan; 917-262-0233, arsenalcontemporary.com/ny.

Una pintura muestra a una rubia recatada con un vestido azul de niña, con las manos entrelazadas modestamente delante de ella. En otra, una morena con un vestido blanco espumoso, abrigo blanco y sombrero de paja toma asiento entre narcisos. Un tercero nos muestra a dos mujeres jóvenes solas en la naturaleza: las tierras altas de Maine, tal vez, o un paisaje montañoso en Cape Cod. Descalzos, visten camisas sin mangas en un elegante rosa salmón y gris azulado; la chica rosa mira a lo lejos mientras su compañera de gris le trenza el cabello. Estas pinturas y otras nueve en la misma línea de Corri-Lynn Tetz, que reside en Montreal, presentan la imagen más decorosa y de buen gusto de la niñez que puedas imaginar.

Los encuentro aterradores.

En las pinturas de Tetz, los clichés de nuestra sociedad sobre lo femenino se han convertido en una trampa para osos esperando para atrapar y deshabilitar a cualquier mujer joven que se cruce con ellos, como casi todas las mujeres jóvenes están obligadas a hacer.

Varias de las pinturas se basan en figuras extraídas de las páginas de un catálogo de Laura Ashley. Otros parecen ser anuncios de los últimos estilos de "pradera" que recientemente ingresaron (yo diría que infectaron) la moda femenina convencional. Sus escenas están representadas con la pincelada libre de lo mejor de la ilustración de moda de la posguerra, como rara vez se encuentra hoy en día.

Al ampliar este estilo publicitario clásico a la escala de las declaraciones de los viejos maestros sobre la guerra, Dios y el mito clásico, Tetz convierte la venta de la feminidad en el tema de un nuevo tipo de pintura histórica. "El rapto de las sabinas" es apenas más escalofriante. BLAKE GOPNIK

Tribeca

Hasta el 15 de diciembre. Galería Jacqueline Sullivan, 52 Walker Street, Manhattan; www.jacquelinesullivangallery.com.

Las galerías dedicadas al diseño verdaderamente ingenioso son raras como los sombreros MAGA en la ciudad de Nueva York. No siempre permanecen abiertos por mucho tiempo. Así que estaba emocionado de subir a esta galería del cuarto piso en TriBeCa, más allá de los conocidos espacios de David Zwirner y James Cohan, y descubrir la inspiradora exposición colectiva que inaugura la nueva galería de Jacqueline Sullivan.

Encontré una mezcla maravillosa de muebles y objetos muy nuevos, viejos y muy viejos. Las audaces sillas de roble, fabricadas en Yorkshire alrededor de 1700, conversan alegremente con un guardarropa minimalista diseñado en 1974 por el holandés Juliaan Lampens, quien hizo que la madera contrachapada cruda se viera como refinada. Hay un fino diálogo entre una alfombra de flores Arts and Crafts, tejida en Inglaterra alrededor de 1895, y mantas geométricas producidas este año por Grace Atkinson, con sede en París.

Pero un matrimonio más profundo de lo antiguo y lo nuevo llega en un nuevo proyecto de Kristin Dickson-Okuda, una de las varias creadoras encargadas solo para este espectáculo. Dickson-Okuda tomó una silla "Sussex" de Arts and Crafts, producida por William Morris en la década de 1870, y, como una urraca, agregó cintas negras a los costados y cuadrados de vinilo transparente en los brazos e incluso cozies blancos tejidos a mano alrededor de su piernas. Sus adiciones se sienten completamente contemporáneas, pero también completamente respetuosas con los objetos antiguos que adornan y actualizan.

En el diseño, una mezcla de lo antiguo y lo nuevo a menudo se siente como una llamativa acumulación de tesoros, ignorando lo que alguna vez significó cada pieza. Sullivan, con títulos tanto en poesía como en historia del diseño, convierte el anacronismo en una fuerza creativa. BLAKE GOPNIK

Hasta el 11 de diciembre. Amanita, 313 Bowery, Manhattan; spazioamanita.com.

La brutalidad y la ternura se mezclan en las nuevas pinturas de la artista húngara Eva Beresin en su muestra "Aktenkundig (On Record)", que representan versiones de ella y su familia en escenas que claman con intensidad tanto visual como emocional. Realizadas con una mano infantil y una paleta jugosa que desmiente su gravedad, las imágenes de Beresin pueden parecer fantásticas, menos surrealistas que la forma en que las ansiedades tienden a superponerse en los sueños, dejando que la mente las resuelva o no. Beresin a menudo se representa desnuda, dando tumbos por el espacio, a la Chagall. Los soldados son tan propensos a entrometerse como los gnomos de jardín, los fantasmas tienen el mismo estatus que las alusiones a la historia del arte. Las esculturas gloopy impresas en 3D de perros y tortugas derretidos, como si hubieran escapado del plano de la imagen, amplifican el estado de ánimo alegórico.

El modo actual de pintura figurativa de Beresin se deriva del descubrimiento del diario que escribió su madre después de su liberación de Auschwitz. A pesar de ese tema, o quizás debido a él, los lienzos de Beresin rebosan de humor cáustico ("Familiaridad", en el que una mujer observa su cuerpo envejecido mientras los cosmonautas miran con recelo desde un rincón), en deuda con la carga de la memoria, pero no agobiados por ella.

Beresin trabaja rápido, aplicando pintura al lienzo en el suelo sin ningún boceto intermedio. (Las marcas de pisadas de sus zapatos son a menudo visibles, como un mapa tenue, que revela las huellas de sus movimientos). Sus figuras carnosas y fangosas a menudo son apenas legibles, a veces amontonadas en coágulos de cuerpos aproximadamente definidos, lo que sugiere fosas comunes y otros horrores concomitantes. de los campamentos, un trauma heredado que repercute. Sus furiosos golpes se leen como impaciencia, pero también como libertad. MAX LAKÍN

Holland Cotter, Jason Farago y Roberta Smith son críticos del personal.

Dawn Chan, Aruna D'Souza, Travis Diehl, Yinka Elujoba, Blake Gopnik, Will Heinrich, Max Lakin, Arthur Lubow, Siddhartha Mitter, Seph Rodney, Martha Schwendener, Jillian Steinhauer y John Vincler son críticos contribuyentes.

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