50 álbumes genuinamente horribles de artistas brillantes.

por Andy Greene

"No hay gran genio sin un toque de locura". El filósofo griego Aristóteles hizo esta observación hace aproximadamente 2300 años, mucho antes de que genios legítimos como Bob Dylan, John Lennon, Carole King, Elton John, Madonna y Prince le dieran la razón. Entre las muchas obras maestras célebres que estos artistas han dado al mundo, también han producido obras tan monumentalmente podridas que nada menos que "un toque de locura" puede explicar su existencia.

Algunos de estos álbumes fueron producto de demasiada cocaína. (Elton, te estamos mirando a ti). Algunos de ellos surgieron de la presión de la discográfica para ir más allá de los seguidores de culto creando música comercial. (Hola, Liz Phair.) Algunos de ellos se crearon antes de que la banda encontrara su verdadero sonido (Pantera, haz una reverencia), mientras que otros surgieron mucho después de que los miembros clave se separaron y la banda no tenía ninguna razón terrenal para seguir existiendo. (Tos-Génesis-tos).

Un gran porcentaje de ellos fueron víctimas tristes de las horribles elecciones de producción de los años ochenta, sobre todo el período deprimente de 1985 a 1988, cuando los sintetizadores de bola de queso y los tambores de ráfaga de escopeta crearon un sonido que ha envejecido peor que un sándwich de atún y sardinas dejado en el suelo. sol.

No hace falta decir que los fanáticos del rock son notorios en contra y el álbum basura de una persona es un clásico pasado por alto por otra. Estamos seguros de que hay gente que ama Leather Jackets de Elton John, Squeeze de Velvet Underground y Speeding Time de Carole King. Algunos de ustedes sentirán que elegimos la banda sonora de la película de Elvis equivocada, o que estábamos locos al dejar Let Me Up (I've Had Enough) de Tom Petty o Muse Sick-n-Hour Mess Age de Public Enemy. (Sucede que disfrutamos de esos dos discos). Tampoco hay ningún disco de U2 porque nos gustan todos, incluso Songs of Experience y October. Esas son palabras de pelea para algunos, y estamos seguros de que muchos lectores tendrán sus problemas con esta lista. La verdadera estupidez, como la verdadera grandeza, es una cualidad subjetiva.

¿Los clasificamos? Seguro que lo hicimos. Comenzando con lo menos peor y contando hacia atrás hasta el fracaso más histórico.

A principios de los ochenta, Pete Townshend estaba haciendo malabarismos con una carrera en solitario, el difícil período posterior a Keith Moon de The Who y una adicción a la heroína bastante desagradable. De alguna manera encontró el tiempo para grabar dos álbumes en solitario estelares (Vacío de cristal de 1980 y Todos los mejores vaqueros tienen ojos chinos de 1982), y el subestimado LP de 1981 de The Who, Face Dances. Pero cuando llegó el momento de entrar al estudio y grabar It's Hard en 1982, su reserva de canciones se había reducido prácticamente a nada. (Cabe señalar que a lo largo de todo este tiempo, guardó las mejores cosas para sus álbumes en solitario). últimos 40 años. El resto de It's Hard, sin embargo, es el punto más bajo de la carrera de The Who. "One Life's Enough", "I've Known No War", "What Did I Fall for That" y "Cooks County" son claramente el resultado del agotamiento, las drogas muy duras y una obligación contractual con Warner Bros. Records. El mismo Townshend probablemente apenas recuerda haber hecho este disco, y la mayoría de los fanáticos de Who han trabajado duro para olvidar que existe.

Billy Joel tuvo casi una década sólida de éxitos y éxitos después de finalmente abrirse paso con The Stranger en 1977, pero cuando llegó el momento de cortar The Bridge de 1986, estaba agotado. "No estaba tan concentrado en escribir de nuevo y grabar de nuevo", le dijo a Rolling Stone en 2013. "Solo era un nuevo padre, acababa de tener una niña y solo quería estar en casa con mi familia". en ese momento, pero era hora de volver al estudio". Trabajando con el productor de mucho tiempo Phil Ramone, logró un par de canciones genuinamente geniales como "A Matter of Trust" y su dúo con Ray Charles "Baby Grand", pero el resto del álbum es en gran parte relleno sin vida como "Code of Silence" y "Acercarse." "No estaba tan entusiasmado con volver al estudio, y la banda con la que había trabajado durante tanto tiempo se había visto algo privada de todo el proceso", dijo. "Realmente ya no formaban parte del proceso creativo. Se estaba convirtiendo en algo así como un negocio".

Cuando el cantante original de Van Halen, David Lee Roth, dejó la banda en 1985, simplemente trajeron a Sammy Hagar y continuaron llenando estadios, logrando éxitos y vendiendo álbumes por millones. Después de todo, este es un grupo que lleva el nombre del guitarrista y baterista. ¿Por qué debería importar quién canta? En 1998, aprendieron por las malas que el cantante importaba bastante cuando contrataron a Gary Cherone de Extreme para reemplazar a Hagar y editaron Van Halen III. Este fue el comienzo de la era del pop adolescente y las bandas de rock de los años setenta y ochenta ya eran agresivamente anticuadas. Aún así, otra canción como "Right Now" teóricamente podría haber aterrizado en las listas. Pero no tenían otro "Ahora mismo". Tenían canciones como "Dirty Water Dog", "Fire in the Hole" y "How Many Say I" que dejaron fríos incluso a los fanáticos incondicionales de Van Halen. "Cherone tiene una velocidad como cantante en III -esfuerzo doloroso- y el bajista Michael Anthony y el baterista Alex Van Halen suenan como si estuvieran avanzando pesadamente a cualquier ritmo", escribió Greg Kot de Rolling Stone. "Cuando la banda toca fuerte, se sumerge en un pozo de alquitrán de los setenta, con solo el coro de 'Without You' logrando algún tipo de resonancia pop". Cherone dejó la banda poco después de que terminara la gira Van Halen III. La próxima vez que estuvieron de gira, Agar volvió a estar al frente. Era como si Van Halen III nunca hubiera sucedido.

El golpe de suerte de Grateful Dead de 1987 "Touch of Grey" presentó su música a toda una nueva generación de fanáticos y llevó a la banda de las arenas a los estadios de fútbol. Debería haber sido un gran momento para la banda, pero Jerry García estaba sumido en la adicción a las drogas y lidiaba con las secuelas de un coma diabético de cinco días en 1986 que casi acaba con su vida. Con Arista sedienta de otro "Touch of Grey", el grupo comenzó a trabajar en otro álbum a principios de 1989, Built To Last. La portada los muestra construyendo un elaborado castillo de naipes al borde del colapso, lo cual es una buena metáfora de la banda en este punto. Las nuevas composiciones de García/Robert Hunter como "Foolish Heart" y "Standing on the Moon" casi no dejan impacto en el oyente, y las cuatro canciones que cuentan con el teclista Brent Mydland en la voz principal no les va mejor. Este es el sonido de una banda desgastada por las giras eternas y muy dependiente de las sustancias. Mydland murió de una sobredosis de drogas menos de un año después del lanzamiento de Built to Last. Fue su disco final, y hoy en día se destaca en gran parte por la trágica ironía de su título.

La banda sonora de la película de la era de la depresión de Outkast, Idlewild, generó críticas bastante sólidas cuando se estrenó en 2006, pero eso probablemente se deba a que los críticos ni siquiera podían concebir un álbum mediocre del dúo de Atlanta después de su increíble racha desde Southernplayalisticadillacmuzik de 1994 hasta Speakerboxxx/The de 2003. Amor Abajo. Es una de las carreras más impresionantes en la historia del hip-hop. Pero Idlewild es una bestia muy diferente, y no solo porque incorpora swing, blues, jazz y soul para mantener el período de tiempo de la película. Cuanto más tiempo pasa, más claro se vuelve que Idlewild es el producto de un dúo creativamente exhausto que estaba cansado de trabajar juntos y desesperado por ir por caminos separados. Invitados como Snoop Dogg, Macy Gray, Lil Wayne y Janelle Monáe intentan aligerar las cosas, pero no hay una sola canción aquí en el mismo universo que "Miss Jackson", "Rosa Parks" o "BOB". te obligaste a que te gustara Idlewild en 2006, ¿cuándo fue la última vez que lo pusiste? Se honesto.

Willie Nelson es un ícono del country, pero a lo largo de las décadas ha experimentado con estándares de blues, jazz, folk y pop con varios grados de éxito. Pero nada preparó a sus fanáticos para Countryman de 2005, en el que decidió enfrentarse al reggae. Para ser justos, hace un trabajo decente con las canciones de Jimmy Cliff "The Harder They Come" y "Sitting in Limbo". Pero el concepto se desmorona por completo en las versiones reggae de los originales de Willie como "Darkness on the Face of the Earth" y "How Long Is Forever", que caen en un término medio horrible entre el country y el reggae donde ningún artista se había atrevido a aventurarse. Toots Hibbert aparece para unirse a él en una versión de "I'm a Worried Man" de Johnny Cash, pero ni siquiera él puede salvar este proyecto. "La voz de Nelson suena como si estuviera en un mundo diferente al de estas pistas instrumentales ingeniosas y demasiado manipuladas", escribió Barry Walters de Rolling Stone en una reseña de dos estrellas. "No contengas la respiración por Willie en Dub".

Es tentador decir que REM perdió su enfoque después de que Bill Berry dejó la banda en 1996 y nunca hicieron otro gran álbum, pero simplemente no es cierto. Es posible que hayan dejado de ser una fuerza comercial, pero discos como Accelerate, Reveal, Collapse Into Now e incluso Up son álbumes estelares incluso si no logran alcanzar los máximos absurdos de sus trabajos anteriores. La única vez que el grupo realmente tropezó fue en Around the Sun de 2004. "The Outsiders", con Q-Tip de A Tribe Called Quest, tiene como objetivo replicar su colaboración KRS-One de Out of Time de 1991, pero se siente forzado. "Final Straw" es una protesta noble, aunque aburrida, contra la guerra de Irak. El resto del álbum simplemente se siente perezoso. Y si no nos crees, escucha a la banda. "[It] simplemente no era realmente escuchable", dijo Peter Buck en 2008, "porque suena como lo que es: un grupo de personas que están tan aburridas con el material que ya no pueden soportarlo".

Cuando Metallica estaba en su punto más bajo como banda gracias al alcoholismo crónico de James Hetfield, la deserción del bajista Jason Newsted y la incertidumbre sobre su posición en un universo musical posterior a Napster, trajeron un equipo de cámaras para hacer una crónica de la realización de su LP St. Anger. Esto condujo al documental estelar Some Kind of Monster, y un álbum profundamente decepcionante. Los fanáticos se fijan con razón en la decisión de microfonear la caja de Lars Ulrich para que suene como si estuviera golpeando una lata durante todo el álbum, pero hay problemas más profundos con St. Anger. Las canciones están desenfocadas y aparentemente inacabadas, y la letra de rehabilitación ("Quiero que mi ira sea saludable") podría haber necesitado más pensamiento. La banda se pone muy a la defensiva cada vez que los fanáticos o los periodistas plantean estos problemas, pero sus listas de canciones cuentan una historia diferente. Han tocado menos canciones de St. Anger en concierto que cualquiera de sus otros álbumes.

The Clash surgieron como estrellas del pop poco probables en 1982 gracias a MTV y sus exitosos sencillos "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Pero se separaron del baterista Topper Headon poco después de que salieran esas canciones debido a sus problemas de adicción, y despidieron al guitarrista Mick Jones aproximadamente un año después debido a conflictos de personalidad. Los miembros restantes, Joe Strummer y Paul Simonon, decidieron que esto les presentaba una buena oportunidad: reiniciar la banda grabando un álbum que los devolviera a sus raíces punk, aunque el manager Bernie Rhodes insistió en que usaran sintetizadores y cajas de ritmos para sonar modernos. Esto dio como resultado el extremadamente comprometido Cut the Crap, que no logró complacer a los fanáticos de New Wave o punk. Lo llamaron Cut the Crap como una forma de repudiar su pasado pop reciente, pero canciones como "This Is England" y "Dirty Punk" eran pálidas imitaciones de mejores canciones de la era Jones de la banda. El grupo se separó después de la conclusión de la gira Cut the Crap.

El único álbum de Genesis después de que Phil Collins dejó la banda y fue reemplazado por el recién llegado escocés Ray Wilson no es un desastre total. "The Dividing Line" es una excelente canción de rock progresivo; "Not About Us" es una hermosa balada; y "Congo", "Calling All Stations" y "Shipwrecked" tienen sus momentos. Pero luego hay basura vergonzosa como "Small Talk", "Alien Afternoon" y "Uncertain Weather" que arrastra todo al abismo. Sin Collins o el líder original Peter Gabriel a la cabeza, esta era una banda sin un líder claro o sentido de propósito. "Tal vez el álbum podría haber sido mejor", admitió Wilson a Piedra rodante en 2022. "Podríamos haber tenido algunas canciones más fuertes en el álbum si hubiéramos tenido un poco más de tiempo y trabajo juntos, tal vez. Pero es lo que es ." Cuando el disco fracasó, el grupo despidió a Wilson y esperó alrededor de otra década a que Collins regresara para una gira de reunión nostálgica. Nunca grabaron otra nota de música nueva.

The Who a menudo obtienen crédito por inventar el disco conceptual, pero The Kinks Are the Village Green Preservation Society llegó a los estantes seis meses antes que Tommy. The Kinks se volvieron más ambiciosos con Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) en 1969, y su concepto Preservation de mediados de los setenta era tan grandioso que les llevó dos discos separados en dos años. Pero chocaron contra una pared con The Kinks Present a Soap Opera de 1975. El disco comenzó como una obra de teatro para televisión sobre una estrella de rock que cambia de lugar con un tipo normal para poder sentir cómo es la vida en el otro lado. Está repleto de diálogos hablados que distraen y canciones que avanzan la historia pero hacen poco para destacar por sí mismas. "Musicalmente, no hay una melodía realmente llamativa en el álbum, aunque hay muchas tediosas, trilladas y listas para usar", escribió John Mendelsohn de Rolling Stone en una crítica brutal. "Uno bien podría escuchar este álbum como una colección de canciones que Ray [Davies] dejó sin grabar a lo largo de los años porque sabía que podía hacerlo mucho mejor. Seguramente ha tratado cada tema representado aquí de manera infinitamente más conmovedora en otros lugares".

The Monkees vieron caer su popularidad en 1968 cuando su película psicodélica, Head, se derrumbó en la taquilla, su comedia de situación de NBC fue cancelada y Peter Tork abandonó la banda. Pero siguieron adelante como trío y grabaron dos álbumes sólidos en 1969, Instant Replay y The Monkees Present, con gemas del country rock escritas por Michael Nesmith como "Listen to the Band" y "Good Clean Fun". Cuando Nesmith dejó la banda a principios de 1970, los miembros restantes, Davy Jones y Micky Dolenz, probablemente deberían haberlo dejado. Pero todavía le debían un disco a su sello. Cortaron Changes con el productor Jeff Barry y volvieron a sus primeros días en los que simplemente proporcionaban voces y dejaban que otros se encargaran de todo lo demás. Pero temas como "Ticket on a Ferry Ride" y "Acapulco Sun" carecen de la magia de sus primeros éxitos. Todo apesta a "obligación de contrato", y Jones y Dolenz afortunadamente terminaron con el grupo cuando Changes ni siquiera logró hacer mella en la lista de álbumes.

Prince estaba en medio de una guerra con Warner Bros. en 1996, y les dio Caos y desorden para cumplir con los términos finales de su contrato. La parte posterior del álbum presenta este descargo de responsabilidad: "Originalmente destinado a 4 solo para uso privado, esta compilación sirve como el último material original grabado por (The Symbol) 4 Warner Brothers Records". El folleto del CD presenta imágenes de un billete de un dólar enrollado en una jeringa y un corazón en un inodoro. Como uno puede imaginar, es difícil producir buena música cuando crees que solo beneficiará a una corporación malvada que quieres destruir. "Chaos and Disorder se distingue por su confusión; incluso el título admite que las partes fracturadas del álbum nunca se resuelven en un todo temático", escribió Ernest Hardy de Rolling Stone en una crítica desdeñosa de dos estrellas. "En el mejor de los casos, el disco suena como una colección de demostraciones pulidas. Sin embargo, más a menudo parece el trabajo de un imitador de Prince".

La decisión de Lindsey Buckingham de dejar Fleetwood Mac después del lanzamiento de Tango in the Night de 1987 fue un gran golpe para la banda, pero pudieron avanzar cojeando, editar Behind the Mask de 1990 y hacer una gira exitosa detrás de él. Pero las cosas se complicaron un par de años después cuando Stevie Nicks decidió que ella también quería salir. Probablemente ese fue el momento adecuado para simplemente poner a Fleetwood Mac en pausa, pero Mick Fleetwood decidió seguir adelante al traer a Bekka Bramlett, la hija de 27 años del dúo de principios de los setenta Delaney y Bonnie Bramlett, para asumir el papel de Nicks. Obviamente, este era un esfuerzo irremediablemente condenado. El álbum de esta formación es Time de 1995, que presenta algunas canciones sólidas de Christine McVie como "I Do" y "All Over Again". Pero esto es Fleetwood Mac solo de nombre, y el material no es lo suficientemente fuerte como para justificar su existencia.

Kiss no sabía muy bien qué hacer con ellos mismos en los albores de la era MTV. Seguían siendo una banda enormemente popular, pero los críticos los despreciaban y muchos de sus fanáticos se estaban mudando a actos más nuevos. En un intento bastante desesperado por establecer algo de credibilidad, se reunieron con el productor Bob Ezrin, quien había dirigido su mejor álbum de estudio, Destroyer de 1976, y crearon un disco conceptual elaborado sobre un universo distópico donde un héroe valiente llamado solo el Niño que lucha contra el mal. efectivo. Parecía una apuesta bastante segura ya que Ezrin acababa de producir la obra de Pink Floyd de 1979, The Wall, pero Kiss no son Pink Floyd. El álbum fue destrozado por la prensa de rock, y sus fans restantes simplemente lo ignoraron. La banda ni siquiera se molestó en hacer una gira detrás de él, y nunca se materializó una película planeada de Elder. "Esa fue la única vez que diría que Kiss sucumbió a las críticas", dijo más tarde Gene Simmons. "Queríamos un éxito crítico. Y perdimos la cabeza".

La carrera en solitario de Pete Townshend tuvo un comienzo muy sólido con su lanzamiento oculto de 1972, Who Came First, y alcanzó su punto máximo con Empty Glass de 1980 y All the Best Cowboys Have Chinese Eyes de 1982. Incluso hay buenos momentos en White City: A Novel de 1985. (Alerta de spoiler: en realidad no es una novela). Pero Townshend golpeó un iceberg artístico y se hundió con Psychoderelict de 1993. Es un disco conceptual sobre una estrella de rock fracasada de los sesenta que se une a un reportero de música sensacionalista para revivir su carrera. Hay un diálogo real de estos personajes entre muchas de las canciones, y pequeños fragmentos de los clásicos de Who "Who Are You" y "Baba O'Riley" esparcidos por todas partes, pero todo se convierte en un lío aburrido. Lo peor de todo es que las canciones simplemente no están ahí. "English Boy" y "Now and Then" funcionaron en el escenario cuando Townshend los desnudó acústicamente, pero están enterrados bajo sintetizadores en el álbum. Townshend trató de salvar a Psychoderelict volviendo a publicarlo sin ningún diálogo, pero ya era demasiado tarde. El álbum fue una bomba enorme. También marcó el final de su carrera en solitario.

Aerosmith lanzó un regreso extremadamente improbable en la cima del hair metal de los ochenta, gracias a escritores externos y canciones como "Love in an Elevator" y "Rag Doll". De alguna manera se hicieron aún más populares en la era del grunge debido a "Cryin", "Crazy", "Living on the Edge" y el atractivo de una adolescente Alicia Silverstone. Pero cuando llegó el momento de cortar Nine Lives de 1997, se estaban derritiendo gracias a las batallas con su manager, las luchas internas y la deserción temporal del baterista Joey Kramer debido al dolor por la muerte de su padre. También expulsaron al genio de Columbia A&R, John Kalodner, a pesar de que desempeñó un papel fundamental en la mente maestra de su regreso. Los resultados fueron sesiones muy caóticas supervisadas por el productor de Journey, Kevin Shirley, y baladas mediocres como "Hole in My Soul" y "Falling in Love (Is Hard on the Knees)" que parecían pálidas imitaciones de éxitos anteriores. Eventualmente trajeron a Kalodner para tratar de salvar el proyecto, pero ya era demasiado tarde. El álbum todavía se vendió relativamente bien, y lo siguieron un par de años más tarde con el éxito número uno "I Don't Want to Miss a Thing", pero Nine Lives ha envejecido terriblemente. Si dudas de nosotros, prueba "Ain't That a Bitch" o "Taste of India".

Devo estaba a solo 10 años de "Whip It" cuando comenzaron a trabajar en Smooth Noodle Maps de 1990, pero debe haber parecido una eternidad. Su fracaso en lograr otro éxito en la radio o encontrar alguna tracción real en la era de MTV les costó su contrato con Warner Bros. después de que Shout de 1984 alcanzara el número 83, y su cambio al sello independiente Enigma hizo poco para revivir su fortuna. El álbum de 1988 del grupo, Total Devo, no superó el número 189, y la mayoría de los fanáticos apenas sabían que existía. Lo intentaron una vez más con Smooth Noodle Maps, pero estaban tan abatidos en este punto que llamaron a una de las canciones "Devo Has Feelings Too". El álbum intentó infundir la música de Devo con elementos de dance-pop contemporáneo, pero simplemente no funcionó. Como prueba, echa un vistazo a su versión monótona del clásico folk de Bonnie Dobson "Morning Dew". Mark Mothersbaugh ya dedicaba gran parte de su tiempo a proyectos de cine y televisión cuando Devo grabó este disco, y parece que su mente estaba claramente en otra parte. El álbum ni siquiera llegó a las listas de álbumes, y no intentarían otro hasta 2010.

Liz Phair se vio en una posición muy incómoda cuando la potencia indie Matador fue absorbida por Capitol a finales de los noventa. De repente, el cantautor independiente detrás de obras veneradas como Exile in Guyville y Whip-Smart estaba en un sello importante. No les importaba la aclamación de la crítica. Solo querían golpes. Sintiendo que no tenía otra opción, Phair trajo al equipo de composición y producción The Matrix. Acababan de trabajar con Avril Lavigne en sus grandes éxitos "Complicated" y "Sk8er Boi" y seguirían trabajando con Britney Spears, Shakira y Ricky Martin. Para decirlo suavemente, esto fue un ajuste menos que perfecto. "Es triste que un artista tan innovador como Phair se vea reducido a trucos publicitarios baratos y pop adolescente hipercomercializado", escribió Pitchfork en una reseña de 0.0 estrellas tan mordaz que finalmente se disculparon por ello. "Pero entonces, este es 'el álbum que siempre ha querido hacer', uno en el que todas sus peculiaridades y limitaciones se absorben en clichés bien probados y, en última instancia, uno que bien podría no existir".

Weezer ha dado algunos pasos en falso creativos desde que resurgieron en el cambio de milenio con Green Album, pero al menos las deficiencias de álbumes como OK Human, Black Album y Pacific Daydream sufren las deficiencias de Weezer solo o fuera. compositores que comparten la estética Weezer. En Raditude de 2009, trajeron a Dr. Luke, Lil Wayne, Jermaine Dupri y otros desde muy lejos del mundo de la banda en un intento transparente de volver al Top 40 de la radio. "(If You're Wondering If I Want You To) I Want You To", coescrita por Butch Walker, hace que el álbum tenga un comienzo sorprendentemente decente, pero colapsa una vez que Dr. Luke se une a la fiesta para "I' m Your Daddy" y se hunde en el abismo cuando Lil Wayne y Dupri entran en escena para "Can't Stop Partying". Ser un fan incondicional de Weezer implica encontrar cosas que odiar en casi todos los álbumes que hacen, pero la banda nunca les ha dado a sus seguidores tantas municiones para usar contra ellos.

En 1978, los Bee Gees y Peter Frampton aprendieron por las malas con su versión cinematográfica del sargento. Pepper's Lonely Hearts Club Band que una película con el tema de los Beatles repleta de clásicos de los Fab Four regrabados es una muy, muy mala idea. Pero solo seis años después, Paul McCartney pensó que podría funcionar si un Beatle real cantara y actuara. Él estaba incorrecto. En Give My Regards to Broad Street, McCartney interpreta una versión de Bizarro Land de sí mismo tratando de localizar cintas maestras robadas para un álbum. De vez en cuando, se reúne con su viejo amigo Ringo, o tiene un sueño muy, muy aburrido que nunca parece terminar. La banda sonora presenta versiones renovadas de "Yesterday", "Good Day Sunshine", "Here, There and Everywhere" y otras melodías de los Beatles. El problema es que nadie estaba pidiendo tal cosa. No se pueden mejorar los originales, especialmente con los métodos de producción de 1984. Todo es un desastre lamentablemente equivocado que no tiene ninguna razón terrenal para existir.

Joni Mitchell reunió una impresionante lista de colaboradores para su LP de 1985, Dog Eat Dog, incluidos Thomas Dolby, Michael McDonald, Don Henley, Wayne Shorter, Steve Lukather y James Taylor, pero sus esfuerzos colectivos se suman a un LP genérico de synth-pop. que hace poco para distinguirse. Mitchell apunta a Ronald Reagan, los teleevangelistas y la codicia corporativa, pero las canciones se ven empañadas por la producción antiséptica de los ochenta y su desconcertante decisión de no tocar la guitarra. "Es decepcionante que después de un silencio de tres años, sus críticas sociales sean simplemente el tipo de homilías liberales incruentas que esperarías de Rush", escribió Rob Tannenbaum en Rolling Stone. "Si Joni quiere llegar más allá de los fieles que comprarán este LP para mantener sus colecciones completas, ¿por qué Dog Eat Dog es una escucha tan desagradable?"

Los 10 años entre su clásico de 1971 At Fillmore East y Brothers of the Road deben haber sido una eternidad para Allman Brothers Band, debido a las muertes consecutivas del guitarrista Duane Allman y el bajista Berry Oakley, y la ruptura y reunión. de la banda que siguió. Todavía estaban en una forma delicada en 1981, un miembro clave menos gracias a la deserción del baterista Jaimoe, y sin embargo, de alguna manera, Clive Davis pensó que estaban en condiciones de sacar singles exitosos para Arista. Eso explica el brillo brillante de Brothers of the Road y la ausencia de su característico ataque de guitarra gemela. "Más que cualquier otro LP con el nombre de los Allman Brothers, Brothers of the Road está orientado a los singles", escribió Robert Palmer en Rolling Stone. "La interacción de dos guitarras característica del grupo se ha reducido a un relleno conciso en la mayoría de las pistas, y tampoco hay ninguno de los números instrumentales familiares de la banda". En otras palabras, esta era una banda con una crisis de identidad que intentaba en vano adaptarse a una nueva era musical. No funcionó.

Run-DMC es sin duda uno de los grupos más importantes de la historia del rap, y sus cuatro discos ochenteros son prácticamente impecables. Pero el mundo del hip-hop experimentó cambios sísmicos en los años noventa gracias a Public Enemy, NWA, Jay-Z y Eminem, y Run-DMC parecían reliquias de un pasado lejano, a pesar de discos como Back From Hell de 1990 y Down With the de 1993. King, donde hicieron todo lo posible para mantenerse al día con las tendencias. En 2001, decidieron que la única forma de ganarse a la audiencia de TRL era llevar al estudio a Fred Durst, Sugar Ray, Kid Rock, Overland, Fat Joe, Method Man y Stephan Jenkins. Hay un invitado en casi todas las pistas de Crown Royal, pero nadie quería escuchar al tipo Third Eye Blind cantar con Run-DMC. El álbum fue una bomba colosal, y el grupo terminó trágicamente al año siguiente cuando Jam Master Jay fue asesinado.

La producción de Madonna desde su LP debut de 1983 hasta Music de 2000 es una de las carreras más impresionantes en la historia de la música pop. Pasó por cambios estilísticos al estilo de Bowie con prácticamente todos los álbumes, pero siempre se mantuvo al tanto de las tendencias y nunca perdió su capacidad para generar éxitos. Todo eso se detuvo en 2003 con American Life. Lanzado semanas después del comienzo de la Guerra de Irak, el álbum encuentra a Madonna confrontando un mundo posterior al 11 de septiembre y un deseo de ir más allá de los deseos narcisistas. "Solía ​​vivir en una pequeña burbuja", canta en "I'm So Stupid". "Y quería ser como toda la gente bonita que me rodeaba/Pero ahora sé con certeza que fui estúpido". Estos son sentimientos nobles, pero la música llegó en un momento en que ella apenas estaba aprendiendo a tocar la guitarra y el rap. Sus habilidades en ambos eran bastante rudimentarias, y su decisión de trabajar con el productor de techno francés Mirwais Ahmadzaï (quien había estado a bordo del más exitoso Music) agregó otro elemento que hizo que todo el proyecto se volviera irremediablemente confuso cuando no era solo francamente vergonzoso. El mundo en 2003 tenía poco uso para Madonna la rapera. Cuando volvió a la música dance para Confessions on a Dance Floor de 2005, fue un reconocimiento tácito de que había cometido un error horrible.

Neil Young ha emprendido muchos proyectos ambiciosos a lo largo de los años, pero ninguno tan grandioso como su intento de librar al mundo del motor de combustión interna al convertir su Lincoln Continental de 1959 en un vehículo totalmente eléctrico, creando un modelo para los fabricantes de automóviles de todo el mundo. globo. Fue difícil hacer que hablara de otra cosa en ese momento, e hizo un álbum completo sobre el esfuerzo con canciones como "Fuel Line", "Off the Road" y "Hit the Road" que rápidamente comienzan a confundirse. El punto más bajo es "Cough Up the Bucks", donde se enfrenta a la avaricia corporativa. "Se trata de mi coche", canta. "Tose el dinero/Tose el dinero/Todo se trata de mi auto/Tose el dinero/Tose el dinero". Cuando la tocó durante un concierto notoriamente largo en el Madison Square Garden en 2008 con ocho canciones del álbum y una toma descartada, un puñado de personas literalmente se quedó dormida.

Lil Wayne es un genio del hip-hop. Pero aprendió por las malas con Rebirth de 2010 que sus habilidades no se transfirieron al mundo del rock and roll. Venía de una larga racha ganadora con tres álbumes consecutivos de Tha Carter y había aparecido en las radios Top 40 con éxitos como "Lollipop" y "Got Money". Sin embargo, eso no significaba que sus fanáticos quisieran escuchar cómo sonaría junto con guitarras y baterías de rock, incluso si Eminem y Nicki Minaj estaban presentes. “Él balbucea y se lamenta sobre pistas llenas de aggro stomp y riffs insípidos”, escribió Christian Hoard de Rolling Stone. "Suena como si hubiera estado escondido con un montón de discos de Spymob e Incubus. Wayne gruñe como un Kid Rock sintonizado automáticamente en la arrogante 'American Star'. Pero el Wayne hiperinteligente que conocemos está desaparecido en acción en el angustiado golpe de pecho 'Runnin'. Extiende su croar más allá del punto de ruptura en 'I'll Die for You', como una versión del siglo XXI de Trans-era Neil Young: un genio con problemas vocales atrapado en el limbo".

Cheap Trick produjo algunos álbumes genuinamente geniales a principios de los ochenta, pero ninguno de sus sencillos alcanzó el Top 40, y la paciencia de su sello Epic comenzó a agotarse. En 1986, contrataron al productor Tony Platt con el objetivo de crear un disco con un sonido más moderno. Eso significó, por supuesto, capas de sintetizadores cursis y baterías electrónicas en cada pista. El impulso es comprensible, ya que Don Henley, Steve Winwood, Elton John, Rod Stewart y otras estrellas de los 70 obtuvieron grandes éxitos utilizando la misma fórmula, pero simplemente no funcionó para Cheap Trick. No tenían una sola canción nueva y pegadiza para grabar, y está claro desde puntos bajos como "The Doctor", "Rearview Mirror Romance" y "Kiss Me Red" que sus corazones no estaban en este proyecto en absoluto. Casi nunca tocan ninguna de las canciones en concierto, y la única razón real para tocar The Doctor hoy es escuchar cuán horrible podría sonar un disco "moderno" en 1986.

Los Doors aún eran jóvenes cuando Jim Morrison murió en París en 1971. También estaban inmersos en una colección de canciones que esperaban grabar con él cuando regresara a los Estados Unidos. Así que terminaron lo que tenían como trío y lo lanzaron como un nuevo álbum de Doors, Other Voices, con Ray Manzarek y Robby Krieger compartiendo las funciones de voz principal. Probablemente deberían haberlo dejado una vez que quedó claro que el público no tenía interés en un Doors sin Morrison, pero lograron grabar un álbum más, Full Circle de 1972. Es una extraña mezcla de R&B, jazz, psicodelia y rock que nunca se convierte en algo original. También hay una versión desconcertante de "Good Rocking Tonight" que rebautizaron como "Good Rockin'". Nada de eso funciona. El grupo tomó la decisión lógica de disolverse poco después de que saliera Full Circle, y lo mantuvieron fuera de circulación durante varias décadas. Pocos fanáticos se quejaron.

Doce años después de Tapestry, Carole King se reunió con el equipo de producción de Lou Adler, el baterista Russ Kunkel y el guitarrista Danny Kortchmar para un nuevo álbum. Pero en lugar de crear otra colección atemporal de canciones, intentaron competir con las bandas New Wave de principios de los años ochenta. El álbum comienza con "Computer Eyes" que provoca gemidos ("No quiero programar hacer el amor/ Me gusta real y con sentimiento") y solo empeora a partir de ahí, incluyendo una nueva versión sin sentido de "Crying in the Rain". una canción que escribió para los Everly Brothers dos décadas antes. El álbum ni siquiera entró en las listas de éxitos, una novedad para King, y pasarían otros seis años antes de que intentara otro.

La decisión de traer a Paul Rodgers a Queen tuvo cierto sentido en 2005. El guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor necesitaban desesperadamente un cantante, y Rodgers no tenía banda desde que Bad Company estaba en pausa. Unir fuerzas fue una oportunidad para montar un espectáculo en un estadio de gran tamaño que mezcló los clásicos de Queen con los estándares de Rodgers como "All Right Now" y "Feel Like Makin' Love". "Él era su propio hombre", dijo Taylor una vez que la sociedad llegó a su fin. "Pertenecía al campo del blues-soul, en el que no había nada mejor. Nuestro material es un poco demasiado ecléctico, probablemente". Esa es una forma educada de decir que no podía cantar de manera convincente "Bohemian Rhapsody" sin que todo pareciera ridículo. Pero no habían llegado a esa conclusión en 2008 cuando Queen + Paul Rodgers entraron al estudio para grabar The Cosmos Rocks. "Bajo el mando de Rodgers, Cosmos Rocks evoca un tramo inolvidable de la radio en auto, con canciones lentas como 'Say It's Not True' que recuerdan a Air Supply", escribió Christian Hoard de Rolling Stone. “Los clichés del rock clásico no son del todo culpa de Rodgers: los miembros originales de la banda ayudaron a escribir temas como 'Still Burnin', una improvisación genérica de banda de bar mezclada con castañas líricas como 'la música hace que el mundo gire'. El grupo se separó de Rodgers poco después de The Cosmos Rocks. Les fue mucho mejor con Adam Lambert al frente de la banda, pero aún tienen que grabar música nueva. Tal vez aprendieron la lección con The Cosmos Rocks.

A principios de los ochenta, George Harrison era un músico semi-retirado cuyos principales intereses eran las carreras de autos y la producción de películas. Pero le debía a Warner Bros. un último álbum de su contrato antes de poder dedicarse de tiempo completo a esas actividades. El resultado fue Gone Troppo, un disco sumamente mediocre impulsado por sintetizadores y canciones ligeras y pop como "Wake Up My Love" y "That's the Way It Goes" que iban y venían sin que la mayoría de los fanáticos se dieran cuenta de que existían. "Tan improvisado y despreocupado como para ser completamente insustancial", escribió Steve Pond en una reseña de dos estrellas de Rolling Stone, "el LP está compuesto de cancioncillas descartables, fragmentos instrumentales y canciones de amor formuladas". Harrison pasó la siguiente media década fuera de la red musical, pero volvió con fuerza en 1987 gracias al productor Jeff Lynne, su versión de "I Got My Mind Set on You" y la formación de Traveling Wilburys. En ese momento, Gone Troppo era una nota al pie olvidada.

No es fácil elegir el peor álbum de Lou Reed teniendo en cuenta que este es el hombre que nos dio Metal Machine Music, Sally Can't Dance y Lulu, pero finalmente optamos por Mistrial de 1986. La falla colosal se produjo después de una racha de álbumes fuertes a principios de la década de 1980 y no logró generar nada parecido a un éxito. Reed había intentado buscar un sonido más comercial en su álbum anterior, New Sensations de 1984, y había funcionado bastante bien. Mistrial también tenía un sonido moderno. Esta vez, sin embargo, las canciones que simplemente había chupado. Para empeorar las cosas, pensó que el mundo estaba listo para escucharlo rapear (gemir) "The Original Wrapper". "Blanco contra blanco, negro contra judío", rapea. "Parece que es 1942/El bebé se sienta frente a MTV/Mira fantasías violentas/Mientras papá bebe cerveza con su deporte favorito". En otra parte del disco, sale en contra de las películas violentas y termina sonando como un miembro del conservador PMRC. "Al final de la cuadra en algún teatro local", canta. "Se están agarrando las entrepiernas en la decapitación número 13/Mientras los muertos se levantan para vivir, los vivos se hunden para morir/Las corrientes son profundas y furiosas por dentro". Reed se recuperó en 1989 con New York, dejando a Mistrial como uno de los álbumes más olvidados de su catálogo notoriamente desigual.

David Bowie tuvo una gran racha de frío creativo inmediatamente después de su éxito de 1983, Let's Dance, arrojando álbumes mediocres como Tonight y los dos lanzamientos de Tin Machine que dejaron extremadamente decepcionados incluso a sus fanáticos más incondicionales. Pero el punto más bajo claro fue Never Let Me Down de 1987. "Mi punto más bajo fue Never Let Me Down", dijo en 1995. "Fue un álbum tan horrible. Realmente no debería haberme molestado en ir al estudio para grabarlo. De hecho, cuando lo toco, me pregunto si A veces lo hice". El disco es una muestra de las horribles opciones de producción de los ochenta. Bowie nunca tocó una sola canción de Never Let Me Down en concierto después de la gira inicial, y reelaboró ​​completamente "Time Will Crawl" con batería en vivo e instrumentación moderna cuando armó la compilación iSelect de 2008. "Oh", escribió en las notas, "para rehacer el resto de ese álbum". Dos años después de su muerte, el productor Mario McNulty hizo exactamente eso para una caja recopilatoria del trabajo de los años ochenta de Bowie.

Poco después de que el gerente musical Tony DeFries se separara de David Bowie, se encontró con un niño de Indiana llamado John Mellencamp con sueños de estrellato y varios años detrás de él en el circuito de bandas de bares. Le cambió el nombre a Johnny Cougar, consiguió un contrato con MCA y produjo un disco repleto de versiones de canciones como "Oh, Pretty Woman" y "Jailhouse Rock". También le dijo a la prensa que había descubierto un nuevo Bruce Springsteen. Los críticos no estuvieron de acuerdo. "Johnny Cougar es un cantante cómicamente inepto que desafortunadamente se toma a sí mismo en serio", escribió John Swenson en una crítica brutal de Rolling Stone. "Su álbum debut está lleno de posturas ridículas sin nada que lo respalde... solo otro pop descartable listo para usar". El álbum ni siquiera apareció en el Billboard 200, MCA lo dejó rápidamente y regresó a Indiana pensando que había perdido su única oportunidad de éxito. Las cosas cambiaron solo un par de años después cuando se mudó a Londres y obtuvo un éxito con "I Need a Lover".

Michael Jackson tenía poco uso artístico o comercial para sus hermanos en los años ochenta, pero sintió la obligación de unirse a ellos para la victoria decepcionante de 1984. Incluso los llevó de gira en 1984 cuando, por lógica, debería haber tocado en estadios como solista. Cuando llegó el momento de grabar 2300 Jackson St. de 1989, Michael no estaba dispuesto a contribuir con nada más que voces a la dolorosamente empalagosa canción principal. El resto estuvo a cargo de sus hermanos y colaboradores de primer nivel como Diane Warren, Babyface y Teddy Riley. A pesar de algunos momentos decentes como "Nothin' (That Compares 2 U)", nada aquí hizo mella en la conciencia pública. Los Jacksons se separaron después de su fracaso, y solo se reformaron para el concierto ocasional de los viejos.

Stephen Stills tenía buenas razones para intentar revivir su carrera en solitario en 1984. Habían sido unos años muy agitados para Crosby, Stills y Nash, gracias a los problemas de adicción y problemas legales de David Crosby que pronto llevarían al cantante a una prisión de Texas. . A pesar de todo eso, la canción de CSN escrita por Stills, "Southern Cross", fue un verdadero éxito en 1982. Pero simplemente no tenía otra "Southern Cross" en el bolsillo cuando entró al estudio para grabar Right By You. Lo que tenía era una colección de canciones mediocres como "50/50", "Stranger" y "No Problem" que ni siquiera podía mejorar el guitarrista invitado Jimmy Page. El punto más bajo llega cerca del final cuando aborda la acústica "Only Love Can Break Your Heart" de Neil Young y capas de sintetizadores, cajas de ritmos y un toque de reggae. El resultado final es casi un acto de violencia contra una de las canciones más hermosas de su amigo.

Elton John era un auténtico desastre en 1986. Era un adicto desesperado a la cocaína, lidiaba con graves problemas vocales debido a pólipos en sus cuerdas vocales y estaba atrapado en un matrimonio sin amor con la ingeniera de grabación Renate Blauel. No estaba en condiciones de grabar un nuevo álbum, pero golpeaba uno al año como un reloj en esos días sin importar lo que sucediera en su vida. Este, sin embargo, fue el primero sin un sencillo Top 40 desde principios de los años setenta. Eso se debe a que no hay una melodía memorable o un estribillo en todo el disco, y la producción es horrible incluso para los débiles estándares de 1986. "Leather Jackets tiene muchas canciones horribles, y hay un trabajo muy desigual en el ' 80 y 90 por el hecho de que no me concentraba en lo que hacía", dijo en 2001. "Y por las drogas, por supuesto". Lo ha llamado el peor álbum de su catálogo varias veces, aunque su compañero de escritura, Bernie Taupin, no está de acuerdo. "Creo que en realidad hay un par de buenas canciones ahí", le dijo a Rolling Stone en 2013. "Ciertamente no creo que sea el punto más bajo". Lo siento, Bernie. Vamos a ir con Elton en este caso.

Van Morrison siempre ha sido un excéntrico, pero cruzó al territorio troll de derecha en el último proyecto discográfico, volumen 1 de 2021. "El nuevo disco de Morrison tiene un extraño parecido con la sensación desquiciada y divagante de Internet en la era de la pandemia", Rolling Jonathan Bernstein de Stone escribió en una reseña, "la mayoría de las veces, sus 28 pistas se presentan como una colección de publicaciones de mierda, subtweets y diatribas de Reddit preparadas para imitar los ritmos de John Lee Hooker". Eso no es un error tipográfico. Hay 28 canciones en dos discos y 127 minutos interminables, con títulos como "Stop Bitchin, Do Something", "¿Por qué estás en Facebook?" y "Ellos son dueños de los medios". (¿Quiénes son exactamente los "ellos" a los que te refieres aquí, Van?) Lamentablemente, la música es tan perezosa como su forma de pensar. Casi nos sentiríamos mal por el tipo si no estuviera usando su arte como una forma de difundir mensajes peligrosamente estúpidos sobre las vacunas. Esperemos que no haya un Volumen 2 en algún momento. No necesitamos escuchar la opinión de Van sobre Hunter Biden.

Puede que los Beach Boys se distanciaran de Brian Wilson cuando lanzaron Summer in Paradise en 1992, pero tenían un renovado sentido de propósito gracias a su éxito "Kokomo" cuatro años antes. Mike Love decidió que deberían hacer un álbum que sirviera como la "banda sonora por excelencia del verano", por lo que mezclaron versiones de viejos éxitos como "Surfin'" y "Forever" con versiones como "Hot Fun in the Summertime" de Sly and the Family Stone. y "Remember (Caminando en la arena") de Shangri-Las. Todo es tan inútil como parece, y ciertamente no mejora nada cuando aparece John Stamos para cantar las partes de Dennis Wilson en "Forever". Descontando su esfuerzo crossover country de 1996, Stars and Stripes Vol. 1, que es la definición de descuento, ni siquiera intentarían otro álbum adecuado hasta That's Why God Made the Radio de 2012.

De alguna manera, es fácil sentir simpatía por la sección rítmica de Creedence de Doug Clifford y Stu Cook. Ver a su compañero de banda John Fogerty escribir y producir todas sus canciones originales debe haber sido muy frustrante. En la mente del público, se convirtieron en sus meros músicos de respaldo a pesar de que el grupo había estado luchando juntos desde la escuela secundaria. Pero la triste verdad del asunto es que Fogerty es brillante escribiendo canciones, y ellos no lo son. Esto es dolorosamente evidente en el LP Mardi Gras de 1972 del grupo, donde Fogerty accedió a darles la oportunidad de escribir canciones, cantar y producir. Jon Landau habló en nombre de muchos críticos cuando escribió que era "el peor álbum que he escuchado de una gran banda de rock". Se separaron poco después de que fracasara. Cuando Clifford y Cook volvieron a estar juntos en 1995 como Creedence Clearwater Revisited, sin su ex líder, no incluyeron ni una sola canción de Mardi Gras en su espectáculo. Resulta que basar el repertorio de toda una banda en la música de Fogerty no fue tan mala idea después de todo.

En el apogeo de la adicción a las drogas de David Crosby a principios de los ochenta, Neil Young prometió que estaría de acuerdo con un nuevo álbum de CSNY si Crosby limpiaba su vida. Le tomó un tiempo en prisión a Croz dejar su hábito de base libre, pero Young cumplió su palabra cuando fue puesto en libertad. El problema es que Crosby, Stills y Nash habían estado en un período de calma en la composición de canciones durante años y no tenían a mano otro conjunto de canciones como "Wooden Ships" o "Teach Your Children". Young, mientras tanto, estaba guardando sus mejores canciones para sus discos en solitario, y les estaba dando basura de fondo como "This Old House" y "American Dream". Stills y Young intentaron revivir su asociación de compositores de la era de Buffalo Springfield en "Got It Made" y "Night Song", pero la magia de los sesenta se había ido. El álbum fue un fracaso total, y ni siquiera hicieron una gira detrás de él. Cuando finalmente salieron a la carretera en 2000, no tocaron ni una sola canción de American Dream. En ese momento, era una nota a pie de página medio olvidada de su larga saga.

En 1963, se publicaron Meet the Beatles, The Freewheelin' Bob Dylan y los primeros sencillos de los Rolling Stones. Elvis Presley, mientras tanto, estaba en Acapulco filmando otra película, Diversión en Acapulco. En este, Elvis interpreta a un salvavidas (que canta, por supuesto) atrapado en una rivalidad con otro salvavidas. Según los bajos estándares de las películas de Elvis, se puede ver a medias. También fue un éxito. La banda sonora rápida es otra historia. En un momento en que Elvis necesitaba mejorar su juego para competir con una nueva generación de estrellas de rock, cantaba "The Bullfighter Was a Lady", "(There's) No Room to Rhumba in a Sports Car" y "You Can' t Di No en Acapulco". Es muy difícil encontrar un punto bajo en la carrera discográfica de Presley, ya que hubo tantos de ellos, pero muchos verdaderos aficionados de Elvis apuntan a este álbum, y con razón.

Desde una perspectiva estrictamente histórica, Unfinished Music No. 1: Two Virgins es un álbum extremadamente importante. El LP de 1968 marcó el comienzo de la carrera en solitario de John Lennon y su colaboración creativa con Yoko Ono, al tiempo que ofrecía una ventana a su mundo privado. La imagen de desnudos de Lennon y Ono en la portada indignó a la derecha religiosa y ayudó a generar mucha atención para una revista de rock en ciernes llamada Rolling Stone cuando la publicación la puso en la portada. Sin embargo, desde una perspectiva musical, Unfinished Music No. 1: Two Virgins es dolorosamente aburrido y generalmente sin sentido. Los dos lados de 14 minutos consisten en fragmentos pequeños pero inaudibles de diálogo hablado, bucles de cinta, efectos de sonido y lamentos de Ono. No hay casi nada musical al respecto, y pasar los 28 minutos completos es una tarea brutal. Dos años después, John Lennon/Plastic Ono Band llegaron a las tiendas. Es el polo opuesto de Unfinished Music No. 1: Two Virgins en todas las formas imaginables. En otras palabras, es perfecto.

Forbidden es un disco de Black Sabbath en el sentido más amplio posible. El guitarrista Tony Iommi era el único miembro restante en este momento, e incluso los miembros de los últimos días como Ronnie James Dio no se ven por ningún lado. En este punto, el grupo había estado esencialmente en el desierto durante una década, y su sello los convenció de que Ice-T podía entrar al estudio y hacer que la banda pareciera moderna y moderna nuevamente. "Se nos vendió que Ice-T iba a producir", dijo el bajista Neil Murray a Rolling Stone en 2021. "Y luego resultó ser su guitarrista [Ernie C] de Body Count. No creo nadie realmente pensó que aportó ideas adecuadas para la producción o cómo terminó la mezcla. La mayoría de nosotros estábamos bastante decepcionados. Pero fue como, 'Aquí están, periodistas y fanáticos, aquí hay un álbum que realmente pueden romper'. Les dio demasiada munición sobre cómo sonaba el álbum. La banda no estaba contenta con eso, y nadie más lo estaba tampoco". Cuando el álbum se derrumbó entre los fanáticos y los críticos, Iommi no tuvo más remedio que reunir a la formación de Ozzy Osbourne y fingir que todo el asunto de Ice-T nunca sucedió.

Los aficionados a Dylan han estado discutiendo durante décadas sobre si alcanzó o no el punto más bajo de su funk creativo de los ochenta en Knocked Out Loaded de 1986 o Down in the Groove de 1988. Ciertamente está cerca, pero Knocked Out Loaded tiene una obra maestra certificable: su épica colaboración con Sam Shepard, "Brownsville Girl". Mientras tanto, Down in the Groove no tiene un solo momento de redención. Es una colección rígida y sin vida de covers ("Rank Strangers to Me", "Shenandoah"), colaboraciones con el letrista de Grateful Dead, Robert Hunter ("Silvio", "La chica más fea del mundo"), y originales ("Death Is Not the End", "Had a Dream About You, Baby") que se ven empañados por sonidos cursis de tambores y sintetizadores de los ochenta y una sensación general de pereza extrema. Eric Clapton, Bob Weir, Jerry Garcia, Mark Knopfler y Paul Simonon de The Clash se unen a las festividades, pero ni siquiera su poder estelar colectivo puede salvar este desastre. Sin embargo, días después de su publicación, Dylan comenzó su gira interminable. Fue una experiencia rejuvenecedora que significó que nunca más obtuvimos un álbum tan horrible como Down in the Groove, incluso si estuvo muy cerca con Under the Red Sky de 1990.

Pantera es sin duda una de las mejores bandas de metal de su época. Sin embargo, mucha gente no se da cuenta de que fueron una de las peores bandas de metal de una época anterior. Si necesitas estar convencido, echa un vistazo a su debut de 1983, LP Metal Magic, donde suenan como una banda de pelo genérica de la lista B. Para ser justos, Dimebag Darrell y Vinnie Paul aún eran adolescentes cuando hicieron este álbum, y fue producido por su padre, el cantante de country Jerry Abbott. Tampoco habían unido fuerzas con el líder Phil Anselmo. Su predecesor, Terry Glaze, es un desesperado aspirante a Paul Stanley. Este es Pantera solo de nombre, pero aún cuenta como un álbum genuino de Pantera. Y es absolutamente horrible.

A finales de los ochenta, los rockeros progresivos Yes se habían dividido en dos versiones enfrentadas de la banda al borde de una batalla judicial muy costosa. Estaba el "Owner of a Lonely Heart" Yes con el baterista Alan White, el bajista Chris Squire, el teclista Tony Kaye y el guitarrista Trevor Rabin, y estaba el Yes de los setenta con el baterista Bill Bruford, el teclista Rick Wakeman, el guitarrista Steve Howe y el cantante Jon Anderson. Finalmente se dieron cuenta de que un Yes dividido contra sí mismo no puede sostenerse, y formaron una versión singular de Super Yes y reservaron una gira por la arena. También decidieron grabar un álbum. "El problema era que estábamos a tres cuartos de un álbum", dijo Wakeman a Rolling Stone en 2019. "Estaban a tres cuartos de un álbum. Así que el álbum fue entregado a un tipo que ni siquiera debería ser permitió una batidora de alimentos, y mucho menos un álbum. Hizo el trabajo más terrible en el álbum de Union ". Parte de ese "terrible trabajo" implicó traer músicos de estudio anónimos a pesar de que se trataba de una banda con dos guitarristas, dos bateristas y dos teclistas. "Lo llamé el álbum Onion", dijo Wakeman, "porque me hizo llorar".

The Velvet Underground era una banda solo de nombre cuando lanzaron Squeeze a principios de 1973. Los cuatro miembros originales de la enormemente influyente banda de Nueva York se habían ido uno por uno durante los años anteriores debido a la tensión interna y al fracaso del grupo para tener siquiera un un poco de éxito comercial. Este fue probablemente un buen momento para dejarlo, pero el manager Steve Sesnick tuvo la idea desquiciada de que de alguna manera podrían seguir adelante con el bajista Doug Yule, quien reemplazó al miembro fundador John Cale en 1968, asumiendo el cargo de líder. Yule fue un activo real cuando grabaron The Velvet Underground de 1969 y Loaded de 1970, pero en esos discos, todavía tenía a Lou Reed para escribir todas las canciones y cantar la gran mayoría de ellas. Con Reed fuera de escena, Yule tuvo que manejar todo por sí mismo. En sus propias palabras, era como "el ciego guiando al ciego". Squeeze podría haber estado bien como un esfuerzo en solitario de Doug Yule, pero ¿como un álbum de uno de los mejores grupos de rock de todos los tiempos? Definitivamente no. Sin embargo, inspiró a un grupo británico emergente liderado por Glenn Tilbrook y Chris Difford a llamarse Squeeze. En muchos sentidos, ese es su mayor legado.

Los últimos cinco años de la vida de Kanye West han sido tan increíblemente tristes y autodestructivos, que culminaron con una horrible serie de entrevistas a finales de 2022 en las que elogió a Hitler y defendió a los nazis, que sus últimos álbumes casi han sido una ocurrencia tardía para la mayoría de la gente. Sin duda, son las peores obras de su carrera, y sería fácil elegir Jesus Is King o Donda como el momento más bajo. Pero vamos con Ye de 2018 porque marca el comienzo del colapso artístico y personal más desastroso en la historia de la música popular. Con una duración de solo 23 minutos, el álbum caótico y a medio hacer se grabó en Wyoming justo cuando le dijo a TMZ que la esclavitud era una "elección" y comenzó a usar un sombrero MAGA en público. El alboroto por su comentario sobre la esclavitud hizo que reelaborara muchas de las letras de Ye durante dos frenéticas semanas poco antes de que saliera el álbum, lo que explica comentarios como "Imagínese si me atraparan en un día salvaje / Ahora estoy en 50 blogs. ' 50 llamadas/Mi esposa llama, grita, dice: 'Estamos a punto de perderlo todo'". Los escándalos de Kanye de 2018 parecen casi pintorescos en comparación con sus ediciones recientes, pero nunca ha hecho que la música sea menos vital que esta.